Interpretar el Patrimonio cultural implica mucho más que explicar o traducir. Es un acto de dar sentido, de establecer conexiones entre el conocimiento y la experiencia, y de expresar la realidad de forma personal.

Según Freeman Tilden (1957), la interpretación del patrimonio es una actividad educativa que revela significados ocultos a través del contacto con objetos o lugares originales. No se limita a informar, sino que provoca pensamiento, emociona y conecta intelectualmente al visitante con el legado cultural o natural del lugar.

Interpretar el patrimonio, por tanto, es un proceso comunicativo y sensorial que convierte la experiencia en conocimiento significativo para la ciudadanía. Traducir el lenguaje técnico o histórico a uno accesible es también un modo de democratizar el patrimonio.

En este marco, el trabajo artístico de María Méndez en el “Túnel de escape” actúa como un dispositivo de interpretación del patrimonio, aunque no haya sido su propósito inicial. 

El arte, al activar la memoria ancestral y propiciar la interacción con un espacio histórico como el Baluarte de Santa Catalina, convierte el recorrido por el Aljibe y la Casamata en una experiencia colectiva que genera una conexión emocional entre la Historia y la Memoria.

El arte permite saltos temporales, acercando pasado y presente, realidad y ensoñación.

Entrevisté a Juan Rogelio Franco Hernández, fundador y director del grupo Zambo Teatro. Miembro de ADITEICAR, Asociación de Teatristas de Cartagena. 

Catalina Vela: Rogelio hoy estamos La sala de teatro Reculada del Ovejo, en el centro histórico de Cartagena en la bóveda N.1 del Baluarte de San Lucas. Cuéntame un poquito este espacio ¿cómo funciona y qué actividad tiene? 

Rogelio Franco: En el año 2000 decidimos hacer una temporada de teatro o retomar las temporadas de teatro que se habían hecho otros años por iniciativa de Alberto llerena y Jaime Díaz Quintero pero siempre habíamos hablado que necesitábamos un espacio con las personas que tuviéramos el mayor grado de tolerancia entre nosotros. 

En el año 2000 Carlos Ramírez y el Maestro Alberto Llerena se acercaron a la Sociedad de Mejoras Públicas, ahí estaba la doctora Claudia Fadul y otra funcionaria, ellas decidieron darnos este espacio porque justificamos el porqué este espacio era importante revitalizarlo. Era un espacio abandonado. 

Los primeros dos años se hacían pequeñas presentaciones pero ya a partir  del año 2003 fue cuando comenzamos a mantener una programación permanente todos los viernes y los sábados. Fuimos concertados con el Ministerio de Cultura a partir del 2004  y desde ese año hemos tenido altibajos con el Ministerio pero no decaemos, siempre hemos estado en presentaciones constantes viernes y sábado.  A veces le damos la oportunidad a otros grupos que nos dicen. 

Con la escuela de Bellas Artes hemos tenido un buen acercamiento, a veces presentan acá sus resultados del último semestre o de los diferentes semestres. Grupos invitados de otras ciudades que han venido acá siempre quieren venir a la sala de teatro Reculada del Ovejo de aquí de Cartagena.  

Hemos tenido altibajos como todos porque esto es una asociación, la Asociación Distrital de Teatristas Independientes de Cartagena, ese fue el nombre al cual llegamos y bueno ese sueño se cumplió, para casi todos los teatreros de ese momento: Jaime Díaz, Alberto Llerena, Roberto Ríos, que ya murió mucho antes de que me entregaran el espacio, Carlos Ramírez, Jorge Naizir, que es como somos como de otra década y mi persona. En esa lucha también estuvo Iván González, gracias a que Iván González estuvo en el Ministerio de Cultura nos aprobaron la primera temporada de teatro cartagenero y a partir de ahí pues seguimos nosotros realizando proyectos y trabajando sin o con el apoyo institucional, siempre nos mantenemos aquí en este espacio presentando. 

CV: ¿Desde cuándo está funcionando y cuál es la línea de trabajo que tú manejas en tu grupo?

RF: Bueno yo vengo del Teatro Estable del Aguijón, puedo decir que mi maestro fue Carlos Ramírez, porque con él fue que aprendí todo este proceso, pero él se encaminaba más hacia la comedia y yo leía otras cosas y siempre pensé en hacer un grupo que planteáramos las cosas un poquito diferente a como las planteaban algunos grupos.  

En 1994 nace la idea de formar un grupo porque me independizo de Carlos. Ahí, trabajaba con la Universidad Jorge Tadeo Lozano y bueno mucha gente que me conocía me dijo que querían estar en un grupo. Dentro de esos había jóvenes que acaban de salir del INEM, entre esos está John Jairo Narváez y tres jóvenes que pertenecían a la Universidad Jorge Tadeo Lozano, del grupo de teatro que yo dirigía en ese momento. Ahí nace la idea de de iniciar un grupo, pero yo digo que antes de un grupo tenemos que trabajar haciendo talleres y nacen esas 2 ideas paralelas: los talleres de Zambo Teatro, que son procesos de formación teatral y el grupo de planta que son los que más experiencia tienen, con los que hay un poquito más de rigurosidad en cuanto al trabajo escénico.  

Entonces en 1994 comenzamos con una obra que se llama “La barca sin pescador” de Alejandro Casona. Ese fue nuestro primer reto porque ya todos querían hacer teatro, -ya está bueno de talleres Rogelio, nos tienes cansados-  y bueno con eso nos ganamos una beca, pero la beca la comenzamos a ejecutar en el 98 eso fue con el concurso de Colcultura porque el Ministerio no existía y eso lo manejamos con los fondos mixtos y con esa obra hicimos una gran labor en la ciudad.

Ellos me preguntaban -¿por qué tanto texto?- y yo le decía, mi idea es la palabra; cuando un dramaturgo escribe algo a través de la palabra es porque quiere transmitir un mensaje, ya nosotros veremos en la puesta en escena cómo lo transmitimos, pero la palabra es fundamental.  Como dicen los religiosos, tiene poder, el poder de la palabra. A través del teatro vamos a cambiar ciertas estructuras de las personas y del mundo, de la sociedad; el teatro es transformador. 

 Entonces vamos a comenzar por ahí, por textos que sean ricos en la palabra y me parece que el texto de Alejandro Casona lo da. Yo era un asiduo lector de Alejandro Casona y del teatro español. Me gustaba lo de Tennessee Williams pero me parecía que era demasiado, como la película de Joe Arroyo bien absorbente. La obra de Alejandro Casona era un teatro duro fuerte.  Siempre me ha gustado el teatro duro, que muestre la realidad y que el teatro puede transformar de alguna manera esa realidad.

Después seguimos con un texto que ya es una dramaturgia mía a partir de diferentes textos. Me gusta recoger diferentes historias y hacer dramaturgia de esas diferentes historias y creamos una cosa que se llama “Así como me lo contaron”, de varios textos de Pablo Neruda, de libros de historia, era sobre la conquista. Fue una obra muy hermosa, muy chévere. Ganamos un pequeño premio en esa época; lo invertimos todo en vestuario y en unos tanques. 

Y seguimos trabajando precisamente en textos en donde la palabra es para mí lo principal. Después de todo ese proceso, en el 2000 monté un trabajo que se llama “Las Muñecas que hace Juana no tienen ojos”, de Álvaro Cepeda Samudio. Como a mí me gustó mucho la literatura del Caribe conozco mucho de algunos procesos.

Ahora estoy leyendo a Zapata Olivella. Tiene unos textos hermosos que no son para teatro pero que son son escritos como si fuera para teatro y son fáciles de adaptar desde el punto de vista dramatúrgico, quiero en cualquier momento con Zambo Teatro montar uno de esos textos.  

En “Las muñecas de Juana no tienen ojos” hicimos un buen trabajo. Las 3 mujeres luchaban fuertemente a través de sus reflexiones de cómo salir de esa casa, el encerramiento en que estaban y cómo liberarse no solamente del encierro físico sino mental. Liberarse e irse para otro lugar pero era un encerramiento mental realmente.  Entre las 3 actrices estuvo la gran poeta Margarita Vélez.  

Después montamos un texto a partir de La maestra, de Enrique Buenaventura; yo le puse “Desplázate” sobre esta cuestión que vivimos durante muchos años con el desplazamiento. Hice unas intervenciones de ese texto, retomando unos textos de de de Mario Benedetti 

Eso fue con el grupo escuela, ellos se mantuvieron durante muchos años, algunos se fueron; tengo la facultad de que formo gente para que se vaya a alimentar otros grupos, a buscar nortes diferentes. Yo digo que ya tienen tiempo conmigo, ya aprendieron lo que tienen que aprender conmigo, ahora tienen que aprender con otras personas. 

En el 2005 monté un trabajo que se llamaba Desconéctate, que si es totalmente dramaturgia mía. Es una historia futurista de 2 jóvenes que están conectadas a unos aparatos porque son muy rebeldes. La presenté en la Agencia de Cooperación Española hace muchos años. Las dos actrices se fueron a estudiar en Bogotá Artes Escénicas la Universidad Pedagógica Nacional. Alba Villamil y Sandra que ahora es docente de teatro aquí en Cartagena. 

Monté una obra con una beca que me gané con el IPCC. Yo siempre comienzo a hacer montajes sin pensar en que me voy a ganar una beca, porque nuestro proceso es hacer montajes por un objetivo y mi objetivo era rendirle un homenaje al maestro Alberto Llerena con una obra que ha sido una de las obras que más se ha montado en Cartagena, que es La Visita; pero también quería hacerle un homenaje a un autor que ha sido un poquito olvidado que es el maestro Régulo Ahumada y montamos una obra que se llamó El hombre X, entonces hice 22 montajes de micro teatro por decirlo así, o de teatro breve. 

La primera vez que fuimos a Bogotá fue con de con Desplázate, después fuimos con Desconéctate y después fuimos con estos dos montajes de Teatro breve. Lo presentamos en un barrio que tiene un teatro hermoso en Bogotá, es un teatro de una comunidad muy chévere en Bogotá. Nos trataron de maravilla; se sorprendieron  de que acá en la costa hubiese teatro de buen nivel. Sobre todo de Cartagena, porque se piensa que acá no hay teatro y fuimos bien acogidos.

El grupo se me descompone un poco pero en el 2014 estuve trabajando en una comunidad que se llama Villa de Aranjuez. Un muchacho que estudiaba lingüística y literatura en la universidad de Cartagena me conoce ahí y me dice -tú eres el preciso para hacer esta lectura aquí en Villa de Aranjuez- y me presentó un texto que se llama 155 Ejercicios fallidos para Mujeres, que lo acabamos de presentar el viernes pasado en la sala de teatro de Kissis. 

Ese proyecto me permitía ir a diferentes estratos sociales; después fui al Pie de la Popa, después fui a Manga y después fui a Bocagrande. Hacía la lectura y encontraba las mismas respuestas: que eso era imposible, que los hombres no maltrataban de ese modo a las mujeres… y sí lo hacen y peor.  Entonces llamé a Ángel y llamé a una chica que terminó de Bellas Artes y comencé ese proceso de puesta en escena. Había un joven aquí de Bogotá que salió del Teatro Libre, le dije que si quería trabajar conmigo, me dijo que sí y rescaté una niña muy buena del colegio Elyon Yireh, donde yo daba clase de teatro.

En el año 2018 encontramos dos textos; estaban dentro de los de lo que yo siempre he hablado de ellos: la palabra, que fue un texto de un mexicano que tienen que ver con la los inmigrantes y el texto de la obra que tenemos ahora que se llama Caminante de Tito Estrada Amador, que es de Honduras. 

Tito Estrada Amador me dice – yo estudié en la Escuela Nacional de Arte Dramático de Bogotá- que chévere, me dio autorización -haz con ella lo que quieras-  y comenzamos ese proceso.  Hasta hoy la tenemos vigente todavía. Pero en ese proceso ellos querían que montáramos cosas también livianas, que no fueran tan densas y montamos una obra que se llamó Las Ratas, una obra ligera, una comedia y la de Tito Estrada Amador es una obra de farsa. Y montamos Música de Piedra que es de un autor español, pero la adaptamos mucho el contexto nuestro, enmarcada en los años de rock and roll los 50s y 60s porque es la música de siempre. 

Estamos trabajando una obra de corte histórica que es el Taller del maestro Simón, que es una recopilación, una investigación que yo hago con los libros de historia y algunas cosas que leí de Eduardo Caballero Calderón sobre el 20 de Julio. 

Cuando se hace la expulsión del gobernador Montes 35 días después, se da lo del florero de llorente en Bogotá, entonces la lucha independentista comienza en Cartagena con la expulsión del gobernador Montes y yo decidí entonces poner ese nombre que estaba ahí en ese texto del 20 de Julio y le puse El taller del niño Simón, pero recreando lo que sucedió acá con la con la expulsión del gobernador Montes. Eso es el nuevo montaje que estamos haciendo nosotros en este momento. 

CV: ¿cómo llega al teatro a ti, desde la infancia o en la juventud? ¿cómo te encuentras con eso? y ahora que hablaste de Zapata Olivella precisamente en Levántate Mulato, que es la autobiografía de Manuel Zapata Olivella cuenta que él y Delia fueron a ver en el Teatro Heredia, en la galería del teatro Heredia, a Katherine Dunham, que era una coreógrafa, bailarina, antropóloga afroamericana que se recorrió todo el Caribe estudiando las danzas y los ritmos y las músicas y cuando ven eso Delia ahí dice:

Esto es lo que tenemos que hacer, claro tenemos que crear un grupo, una compañía para representar las danzas y los ritmos.

Yo pienso en eso cada vez que leo ese fragmento, de hecho esa es la motivación un poco de este podcast, yo me imagino a Manuel y a Delia jovencitos yendo al teatro. 

¿Tú podrías identificar algún momento así parecido o que haya provocado en ti ese esa necesidad o esa vocación para el trabajo en el arte?

Estaba en cuarto de primaria en el colegio San José, en Maicao, porque mi papá se fue para allá, para La Guajira. Lo mandaron a trabajar por allá y mi mamá era una negra altísima; mi papá era blanco, más blanco que tú, chiquitico y se enamoró de su negra y andaban con su poco de hijos. Cuando iba mi papá iba ella y a mi me pusieron en un colegio que se llamaba Paulo Sexto, en  Maicao. Yo era un payaso, de esos niños que hacen reír a todo el mundo porque le mamaba gallo todo el mundo, a los profesores, y me castigaban porque me burlaba, hacía bulling,  inclusive hasta a los adultos les hacía bullying. Entonces le ponían sobrenombre a todo el mundo. 

Un día el profesor García Villarreal me agarra por la oreja -hoy es el día en que va a hacer reír de verdad verdad a la gente-. Junto con otro que era amigo mío, que era un payaso también, nos llevó a un barrio que quedaba del lado opuesto del colegio, lejos, Barrio El Carmen. Era un payaso retirado de circo. Yo por primera vez conocí un texto, un libreto, y nos dijo -aquí hay cuatro números, vamos a montar estos cuatro números-  y eso para mí fue una cosa impresionante, porque vi que todo se escribe,    -sí, todo eso hay que escribirlo para que aprendan a hacer las cosas que vamos a hacer- y comenzamos. Primero nos enseñó cómo se hacen los gags, nos enseñó todo lo que hacía. Cuando presentamos eso el el rector lloraba y la gente se reía, o sea las mamás lloraban, mi mamá llorando, porque es que una cosa es hacer el payaso pero esto es otra cosa. 

Entonces mi padre me manda a estudiar a Cartagena, aquí que es nuestra tierra.  

Yo estudié en el colegio La Esperanza. Estaban haciendo Otelo y yo me le acerqué al profesor,  -pero este Otelo es blanco, Otelo debe ser negro yo lo puedo hacer-. Lógicamente él se burló de mí porque yo lo que hacía era segundo de bachillerato, – tú todavía tienes que entrar primero y conocer-  Yo no sé qué pasó, pero algo pasó que el muchacho se ha lesionado, le salió un esguince, faltaban 15 días para estrenar la obra y yo me la sabía de tanto ver los ensayos, yo movía, aquí movía acá y me dice -no tenemos más opción, toca coger al negro-,  e hice Otelo. 

Carlos Ramírez va a ese Colegio y ve Otelo y me ve a mí y me dice -y por qué no vas al TEUC, el Teatro Estudio de la Universidad de Cartagena-. Pero el TEUC tenía dos grupos: el que manejaba Jaime Díaz, que eran los principiantes y el grupo que tenía otro nivel, que era el que manejaba Carlos Ramírez. 

Pero a mí me expulsaron del colegio la esperanza junto con Iván González, porque éramos muy tremendos y yo me voy para el Liceo Bolívar, de hecho yo me hice expulsar porque yo quería irme para el Liceo Bolívar porque veía la huelga, la cosa, yo quería saber ¿qué era eso, por qué eso?. Entro en el Liceo Bolívar y bueno me vuelvo popular en el Liceo Bolívar por el teatro. Una vez veníamos en una huelga y entramos a la Universidad de Cartagena y ahí me encuentra Carlos y al día siguiente llegué a los ensayos. 

Y yo entro al TEUC y me dice, -ah no pero tú vas a entrar en el TEUC B-,  yo no sabía que era.  Eso era de Jaime. A la semana de yo estar en el TEUC él me dice- ven acá muchacho…e´rda mijo-, yo dije yerda no sirvo para esta vaina, -yo creo que tú te vas a tener que pasar, vas para el grupo A porque tú eres muy bueno- .

Y me fui pa’ donde Carlos, ahí pasó una obra que se llamaba El Espantapájaros. El TEUC tenía esa cosa de ir a diferentes barrios y nos presentamos en el barrio Canapote, en Santa Rita. Del TEUC pasé el Teatro Estable de Aguijón con Carlos Ramírez con una obra que se llamaba El Ollantay. 

Sucedió algo maravilloso; yo era un personaje sencillo, yo simplemente llevaba un mensaje -aquí mandaron un mensaje de señor, aquí traigo el kipo- , el kipo era un elemento que utilizaban los incas donde estaban los mensajes. No hacía más nada, yo salía una o dos veces al escenario y el que hacía de papel de Rumiñahui se ha caído y se ha partido un pie y faltaban 15 días para irnos para Bogotá. Porque ya habíamos clasificado al regional y habíamos pasado al nacional y tocaba sacarlo -no tenemos más alternativa, Rogelio ¿ya te sabes el texto?-yo le dije sí-  y comencé a hacer el papel de Rumiñahui en El Aguijón. 

Una de las cosas que más me motivaron para quedarme en el teatro es que yo voy a a ese Festival en Bogotá y veo un trabajo que se llamaba Búfalo Bill, y veo al Teatro La Candelaria y después veo al Teatro Libre y después veo al TEC de Cali y yo dije esto es lo que yo quiero hacer. Este es el teatro que yo quiero hacer 

Me independizo del Aguijón y en el 1994 comienzo con el proceso con mi propio grupo que es Zambo Teatro, Zambo Teatro. El nombre no nace porque sí. Comenzaron a salir nombres, yo le he dicho a los compañeros -busquemos algo que haga parte de nuestra identidad, que esté olvidado de alguna manera.  Los cruces les dije yo, entonces comenzaron: el blanco con el negro da mulato y el Zambo es entre el indio y el negro, pero averigüemos otros significados de Zambo, y comenzaron a investigar. En la India los que cargan, por decir aquí los coteros, les dicen Zambos, también le dicen Zambos a los que tienen las piernas unidas con las rodillas y comenzamos a investigar y definitivamente nos quedamos con eso, que el Zambo hace parte de nuestra identidad, pero no es… o sea no tiene relevancia y bueno, listo, nosotros le vamos a dar la relevancia. 

Y fundamos Zambo Teatro con esos jóvenes con Carlos Ramírez, con Alvarado, con Salcedo, con Flor de Liz, con Beatriz Medrano, Flor de Liz hoy día es la titiritera de Trotasueños, con Beatriz Medrano, Jhon Jairo Narváez… ya bueno recuerdos de esa época 

Y ese ese festival fue el que me marcó a mí para seguir haciendo teatro. 

Con el Cuarto Bate, que fue uno de los últimos montajes en que trabajé con Carlos, cuando fuimos a Manizales, al Festival Internacional de Teatro de Manizales, pues también es un marco más y mi propuesta, porque vi una obra de puro texto, de puro texto, o sea no había acciones casi, la acción era la palabra y yo me identifiqué con eso porque dije nosotros en el Caribe hablamos mucho, sí cierto y nos movemos, la palabra aquí tiene un valor, es grande entonces eso comenzó como acá a a burbujear a salir burbujas en mi cabeza. 

Dije -el teatro que yo voy a hacer va a venir marcado por esa línea, pero con con un mensaje, con un objetivo claro, que es lo que quiero hacer: adaptar obras universales  al Caribe.  Y entonces eso fue lo que más o menos me marcó, me motivó.

Extracto de la entrevista realizada para el episodio del podcast Cultura Sin Filtro: Una mirada al Teatro Adolfo Mejía

Nos brindaron la oportunidad de aportar, a través del arte y el lenguaje de la fotografía, a la construcción de paz y a la visibilización de los procesos de liderazgo de las mujeres que hoy están aquí reunidas.

Gracias a todas ellas, y también a sus familias, por venir y llenar este espacio de mujeres poderosas.

Este proyecto nos llevó a recorrer Cartagena y a mirar la ciudad desde los ojos de sus protagonistas: las mujeres. Pudimos reconocer la realidad de quienes la habitan, más allá de la postal turística, las playas o la arquitectura colonial. Cartagena es, esencialmente, las historias de las personas, y especialmente de las mujeres que día a día construyen este territorio.

Las fotografías que van a ver fueron tomadas por Rafael Bossio y son el resultado de un proceso previo de laboratorio creativo que realizamos en el Museo de Arte Moderno. Durante tres sesiones trabajamos en torno a la imagen, la representación, las emociones, el cuerpo y la identidad. A partir de allí, cada mujer fue dando forma a su propuesta:

qué quería representar

cómo quería que eso sucediera

en qué lugar 

en qué contexto 

a qué hora del día

quiénes serían los personajes

cómo estarían vestidas…

Cada foto fue pensada antes de ser tomada, que es como nos gusta trabajar en Imagina Cartagena Lab. Rafa nos ha enseñado que la fotografía se construye antes del disparo, y eso se refleja en esta exposición: cada imagen tiene una intención clara de lo que se quiere decir.

Hoy nos encontramos en el Centro de Formación de la Cooperación Española, en este evento de celebración, después de una primera inauguración en la Biblioteca Pública del Centro Cultural Las Pilanderas, en el barrio El Pozón. Allí vivimos un momento íntimo en un círculo de la palabra que abrió el camino de esta exposición, que ahora continuará hacia Madrid.

Pero no podemos pasar por alto que estas fotografías muestran fragmentos de la vida de mujeres en una ciudad que no siempre es segura para ellas ni les ofrece las garantías necesarias para desarrollarse personal y profesionalmente.

Cada foto, como dijo Rafa recientemente, plantea un conflicto o una problemática, pero también sugiere una solución. Porque la solución está en la gente, en sus iniciativas y en las formas creativas de lucha colectiva con las que reclaman el lugar que les corresponde.

Aquí están representadas mujeres víctimas de desplazamiento, del conflicto armado, sobrevivientes de violencias basadas en género, de la discriminación y del racismo. De ahí surge el nombre de Cartagena Resiliente.

Nunca como ahora había comprendido con tanta profundidad el sentido de esa palabra: resiliencia. Después de conocer a este grupo de mujeres y de ver la generosidad con la que compartieron sus historias y sus estrategias de supervivencia, nos llevamos su alegría, ternura, cuidado y, sobre todo, dignidad.

Este proceso de creación colectiva ha sido profundamente enriquecedor para nosotras. Espero que también lo sea para ellas, y para quienes se acerquen a contemplar estas imágenes.

El arte es un canal para la expresión de ideas, emociones y sentimientos,  propicia  búsquedas estéticas o narrativas y aporta nuevas formas de pensar y mirar diferente, En este caso, pensar en imágenes. 

Este camino empezó en el Museo de Arte Moderno de Cartagena donde tuvimos la oportunidad de encontrarnos con todo el grupo en un laboratorio de sensibilización con las formas y lenguajes artísticos que logran tender puentes entre la memoria y el sueño. Ahí pudimos conocerlas y acercarnos al mundo interior de cada una mediante las propuestas para las imágenes que querían construir. 

Estamos muy agradecidas con este proyecto porque nos ha permitido recorrer Cartagena desde la mirada de las mujeres lideresas que construyen paz y territorio. Volvimos a mirar a la ciudad con ojos nuevos y nos encontramos con historias que hoy presentamos ante ustedes y ante el mundo para contar todo lo que pasa en Cartagena cuando las mujeres nos organizamos. 

Las fotografías que  van a descubrir son la imagen de la dignidad, el valor y la resiliencia que hay en cada una de las mujeres que retratamos tal como ellas mismas quisieron ser representadas. 

Juntas hemos construido un archivo vivo de un proceso colectivo. 

En el episodio ‘Una mirada al Teatro Adolfo Mejía’, tuvimos el honor de contar con las voces de Ricardo Sierra Espitalúa, Sully García y Rogelio Franco. Con ellos reflexionamos sobre la importancia de mantener, conservar y proteger el Teatro Adolfo Mejía como un escenario cultural vivo y con programación dedicada a las Artes Escénicas.

El segundo episodio, titulado ‘Dimensión Económica de la Cultura: El Rol y los Retos de las Mujeres Artistas en Cartagena’, nos sumergimos en la dimensión económica de la cultura desde la perspectiva de la mujer. A través de las voces de tres talentosas artistas cartageneras, Karen Gaviria Moreno, Rosmery A. H. y Daniela González, exploramos los desafíos y realidades del empleo cultural en su ciudad. Descubre los retos a los que se enfrentan a diario, desde la precarización laboral y la brecha de género, hasta la dificultad de transformar su pasión en un sustento económico sostenible. Conoce cómo estas creadoras navegan en las industrias culturales de la Heroica, rompiendo estereotipos y construyendo sus propios caminos para vivir del arte en un entorno complejo y a menudo excluyente.

Finalmente, en el episodio ‘La representación de Bazurto: entre la imagen y la memoria’, contamos con Joel Samper, Adolfo Baltar y Rodrigo Alfaro. Con ellos analizamos la compleja identidad de Bazurto. Hablamos sobre las tensiones entre la informalidad y la resistencia, y cómo la negritud y la cultura popular se manifiestan en cada rincón. Un relato coral que mezcla testimonios, memoria y reflexión sobre lo que realmente significa decir: Bazurto es mi vida.

Soy Rafael Bossio y les presento “La foto es el disfraz” mi proyecto fotográfico personal, inaugurado en el Museo de arte Moderno de Cartagena con una exposición de 26 fotografías realizadas a lo largo de 5 años, acompañadas de un fanzine con 12 fotografías impresas. Este conjunto de imágenes realizadas en el contexto cultural de Cartagena, son la muestra de una búsqueda por representar una ciudad afrodescendiente, que resiste desde la cultura, que fortalece su identidad y materializa sus sueños como sociedad.

La foto es el disfraz se produce como una representación visual de las Fiestas de Independencia, con imágenes documentales que buscan proyectar esos once días de música, goce y reconocimiento desde la identidad étnica. Las Fiestas son un espacio de agencia y autonomía colectiva, es la mirada de las fiestas como plataforma de derechos culturales.

El balance de la exposición «La foto es el disfraz» en el Museo de Arte Moderno de Cartagena es motivo de gran felicidad y orgullo. Desde su apertura el 28 de octubre hasta el 28 de noviembre, la muestra ha logrado una notable visibilidad gracias a 4 visitas guiadas, un taller creativo sobre fanzines y la entrega de 200 fanzines a los asistentes. 

Además, en redes sociales, la exposición ha alcanzado más de 100,000 cuentas en Instagram, destacando la riqueza de la cultura festiva cartagenera a nivel local e internacional. Con aún 16 días restantes para su cierre, esta primera muestra se consolida como un éxito en la difusión del trabajo artístico y en la promoción de las tradiciones que hacen única a nuestra ciudad.

Manifiesto

La fotografía no es la realidad. Para mí, las imágenes son creaciones personales con una intención. La realidad, en cambio, es un discurso que se construye a partir de la diversidad de imaginarios colectivos.

La foto, como el disfraz, es un intento de representar, de darle cuerpo a una idea, de enmarcar y poner límites. Y dentro de esos límites, permite al espectador imaginar lo que ve. 

Cartagena en fiestas es un escenario lúdico, un juego donde exploramos otras identidades. Es en este contexto, a través de la música, la ropa, el baile y los disfraces, que surge una nueva manera de relacionarnos, destacando la creatividad, la cultura artística y la conexión con nuestro pasado.

El disfraz oculta una identidad para mostrar otra; es un objeto que genera representación. En este proyecto, el disfraz se convierte en cámara, y la cámara, a su vez, se convierte en un disfraz. Cada fotografía es una mirada, una máscara, una visión de lo que somos y lo que imaginamos.

“Imaginar la ciudad” es la exposición fotográfica del colectivo Imagina Cartagena Lab que será inaugurada este viernes 21 de junio en el Hotel Almirante gracias a la gestión del Consejo de Artes Plásticas y Visuales con el apoyo del Instituto de Patrimonio y Cultura de Cartagena y Cotelco. Esta alianza hace posible que trabajos de artistas locales, como esta muestra, sean ofrecidos al público local y visitante. 

La exposición cuenta con 16 obras de jóvenes artistas con edades entre los 19 y 28 años que tras un proceso de varias semanas del primer laboratorio creativo de Imagen y Movimiento, realizado en 2021 en Casa Chambacú, en el sector Loma del Diamante del barrio Torices, desarrollaron y concretaron su visión de ciudad incorporando elementos de la técnica fotográfica, la expresión corporal, la observación, el manejo de herramientas digitales, el enfoque de género y la perspectiva étnico-racial. 

En este espacio de formación participaron 17 jóvenes de diversos barrios de la ciudad: Nelson Mandela, La Carolina, La Concepción, Manga, Chiquinquirá, Olaya, Nuevo Bosque, El Pozón, Providencia, Los Calamares, Ternera, Barrio Chino y el corregimiento de Pontezuela. A través de sus fotografías es posible hacer una reflexión sobre las dinámicas de la vida en comunidad y de las relaciones sociales y familiares. Es su mirada la que nos presenta los entresijos de la ciudad, incluida la relación con el cuerpo a través del movimiento, la auto observación y las formas de apropiación del espacio íntimo y el espacio común del barrio. 

Acompañan a esta muestra cuatro obras del fotógrafo y filósofo Rafael Bossio, director creativo de Imagina Cartagena Lab, que permiten analizar momentos y espacios que hacen parte de la vida íntima y del conjunto de la sociedad. Su tríptico auto retrato “Enredados”, perteneciente a la colección del Museo Santuario San Pedro Claver, es una mirada performática del artista a su propio cuerpo y la relación con su pelo afro rojo. “Chambacú 2020”, de la colección del Museo de Arte Moderno de Cartagena, es una reflexión poética y etérea sobre un incendio ocurrido en ese sector provocado por el conflicto. “Bazurto es mi vida” presenta a tres mujeres y un hombre dedicados a la venta de carbón en el mercado durante el confinamiento y la militarización de la plaza de abastos de Cartagena. Y finalmente “S.O.S PATRIA” es una instantánea de la efervescencia y fulgor del estallido social en la ciudad. 

El público asistente a esta exposición va a poder tener una mirada colectiva a las diversas y complejas realidades de Cartagena, más allá de la narrativa del destino turístico, en donde confluyen los oficios de la gente común, sus anhelos, sus estrategias de supervivencia, sus prácticas de diversión y evasión y los vínculos afectivos que sostienen en pie a la ciudad. 

La fotografía está aquí como un canal para tener conversaciones necesarias sobre la justicia social, la afirmación de la identidad y las formas de representación de todas las capas de la sociedad sin distinción de clase, género o raza. 

La exposición estará abierta al público de forma gratuita hasta el 12 de julio en el segundo piso del Hotel Almirante en el barrio Bocagrande. Todas las obras están a la venta, excepto las que son de colecciones del Museo de Arte Moderno de Cartagena y el Santuario San Pedro Claver, que generosamente las han prestado para esta exposición. La venta de estas obras irá destinada en una parte a sus autores y al sostenimiento del colectivo Imagina Cartagena Lab que cumple dos años ofreciendo un espacio independiente de creación y pensamiento crítico para los y las jóvenes de la ciudad. 

Este laboratorio integró exploraciones a través de la imagen, el movimiento y la expresión corporal, fusionadas con la comunicación y el uso de las redes sociales desde una perspectiva de género. Diferentes prácticas artísticas se combinaron para sensibilizar y emplear la fotografía como un canal de expresión y representación, tanto individual como colectiva, abarcando diversos espacios de la ciudad de Cartagena.

“Imaginar la ciudad” es una muestra del talento y la creatividad de 17 jóvenes de Cartagena que en sus fotografías reflexionan sobre el barrio, las relaciones sociales, el poder y sus perspectivas de futuro. Abren la exposición 3 obras del Fotógrafo Rafael Bossio, que con su mirada de la ciudad ha guiado el proceso de enseñanza de la fotografía y ha realizado la curaduría.

Obra: Mamá muñeca

Rosa Bolaño
Barrio El Pozón
23 años

Me gusta observar a los niños de mi barrio mientras juegan, me causa curiosidad cómo se comportan, cómo pelean por cosas “insignificantes” y luego retoman el juego cada uno en lo suyo. Cuando camino a su alrededor y nuestras miradas se encuentran, recuerdo mi época de niña e inmediatamente pienso en que hoy siendo adulta no se me permite hacer esas cosas, porque me debo comportar como “una mujer hecha y derecha”. 

Son sentimientos extraños.

Mujeres madres, mujeres de infancia opacada por la obligación de la adultez, pasando el tiempo cuidando hijos e hijas, en la cocina, haciendo el aseo y mientras tanto se olvidan de ellas, del cuidado de sus cuerpos y sus propios deseos, como salir del barrio y estudiar. Siempre les acompaña un suspiro de resignación.

Ahora, me pregunto qué pueden pensar esas mujeres que veo, será que en algún momento se imaginaron todo lo que pasaría cuando sus regalos de niñas eran juguetes de cocina, chocoritos, muñecas que cuidar, bebés llorones o algunas escobas y palas. A la vez, si jugaban con los niños eran cuestionadas o si usaban juguetes de niño eran acusadas de ‘machorras’, como escuché recientemente a una madre decirle a su hija que jugaba muy emocionada con canicas.

Obra: Tres escenas de Torices: Cronotopías de lo barrial

Edgar Andrés Rodríguez cogollo
Barrio Nuevo Bosque
23 años

El barrio es un animal andante que se lamenta y canta. Cambia en su rugir cansino. Sus múltiples mutaciones son metamorfosis de concreto y tiempo. Por la piel de sus paredes, ventanas y puertas se respira el vaho de una nostalgia fatigada sin demarcación de siglo. En él confluyen todos los tiempos y ninguno. Es autopista de barro. Todo se mueve en torno a él y es al tiempo en sí mismo movimiento. Anda. Sus calles y escondrijos se bifurcan y entrecruzan como trenzas en el cabello de una mujer negra. Cartagenera.

Erguido y vertical, en sus torres busca el resplandor cutre de una Babel moderna. La ascensión hacia algo trascendente que sólo es posible entrever en introspección hacia lo más profundo de sí mismo. Espacio museográfico: latencia viva de lo que ya fue y persiste. Proyección espectral de las utopías del porvenir. Se revela como una sombra oculta de algo siempre esquivo, que habita en todos lados y es al tiempo inaprensible. Es acto ritual, culto religioso y pagano, concreción corpórea de lo sublime y lo abyecto. Sucesión de fotogramas en contraste. Territorio habitado. El lugar donde cuerpo, espacio y tiempo se entremezclan hasta parecer uno. Es la corporalidad de Antonia Pérez, exiliada en su propia casa, que sale con su silla Rimax en mano, hasta los bordes de su mundo, a sentarse a esperar que pasen las brisas de las 6:00 p.m.

Obra: La Sra. María

Mar del Río
Barrio Providencia
24 años

La Sra. María es mi arrendataria y vecina. Desde el día en que nos conocimos, hicimos conexión con la mirada y nuestros cabellos. Ella me miró de pies a cabeza para buscar algún punto de lamento, hasta que en ese viaje sus ojos se posaron sobre mi pelo y allí se quedaron, yo mientras tanto admiré su voz, su mirada. Tras ver la sonrisa de su esposo, decidí arrendar ese lugar. «Aquí es la vaina, aquí quiero vivir», dije para mis adentros. 

Ella se dedica al cuidado de la vida y del hogar, así como también a la venta ferviente de productos YANBAL. El cuidado de la vida es desde mi vista, su oficio más demandante, pero a la vez satisfactorio, disfruta cuidar de sus plantas, les habla, las mima, las regaña. Cuida de las mías también y me regaña por no cuidarlas como debe ser. 

María también disfruta de la cocina, pero no del deber de tener que alimentar a otros, ella preferiría hacerlo por pasión, o más bien, cuando le dé la gana. En su cocina me ha enseñado a descubrir al Valle del Cauca, su tierra natal; hace unas empanadas deliciosas que acompaña con exquisitas salsas de ají. También cocina tortas y champús, una bebida tradicional de su tierra hecha de lulo, piña, y otros secretos como diría ella. 

La Sra. Maria mide más o menos 1,50 mts, y luce como alguien de 55 años. Usa su cabello rapado atrás y con un copete arriba, siempre suelto y con mucho volumen, dejando salir su textura 4a y su color cenizo. Sus ojos son grandes y expresivos, es fácil notar cuándo está cansada, ansiosa o de buen humor con mucha facilidad. Su voz es firme, de tono fuerte y a la vez tranquila, directa y consoladora. Tiene caderas anchas, utiliza vestimenta de colores opacos para estar en casa y llenos de color cuando sale a la calle. Su piel es negra resplandeciente, con un tono café oscuro. Utiliza las uñas ligeramente largas naturales y siempre lleva zapatos abiertos en ocasiones altos, en otras bajos. 

Su mirada es curiosa, siempre alerta así como su andar.

Obra: WILLIAM Y MARCELO

Luisa Casseres
Barrio Chiquinquirá
20 años

William es un hombre afrodescendiente de unos cincuenta años, es alto, delgado y tiene cabello corto. Es bailarín, tiene un grupo de baile en el barrio, la danza es su pasión, es coreógrafo, su casa es su lugar de trabajo. Por lo tanto, siempre está al cuidado de su hijo menor Marcelo, un niño que él describe como su persona favorita. William además de ser bailarín, es padre y cuida de su hijo mientras su esposa trabaja. Un papá con todas las letras. 

Obra: Dios proveerá

Mayerlis Acosta Peralta
Barrio Torices
17 años

Arturo Márquez es uno de los libreros del Parque Centenario en el Centro Histórico de Cartagena, desde hace más de 20 años se dedica a este negocio y es dueño de la librería DIOS PROVEERÁ. ¿Dios provee? ¿Qué provee Dios? ¿Por qué podría Dios proveer al hombre? Hago esos interrogantes en mi cabeza con solo ver ese nombre.

¿Usted lee la palabra? me pregunta el señor Arturo, de inmediato le respondí que no, así que se limita a citar el versículo Filipense 4:19 «Mi Dios, pues, os proveerá de todo lo que os falta conforme a sus riquezas en gloria en Cristo Jesús.» Cuando empezó con la venta de los libros, se dio cuenta que es un negocio complejo puesto que se necesita ser estudiado, haber leído mucho y tener experiencia en el tema: «Los libros no son para todo el mundo» afirmó.

Esta imagen refleja su abundancia pero además su historia, constancia y perseverancia, fruto del trabajo y esfuerzo, no exenta de fracasos y dificultades, pero a la final como una señal puede llegar el éxito arraigado a la fe y poder llegar a casa con algo de lo que se halla en el día a día. Porque sí, al igual que para muchas personas la vida en Cartagena es luchada, pero como Arturo Márquez es necesario ser perseverantes para que Dios sea proveedor en nuestras acciones.  

Obra: Una mirada hacia el territorio

Wendy Teherán Sanmartín
23 años
Adriana Lucía Gonzalez López
21 años
Barrio: Nelson Mandela

La experiencia de ver el barrio con una mirada diferente, me lleva a descubrir cosas maravillosas dentro de él. Salí por el barrio a fotografíar las casas de tabla y en ese recorrido, me encontré con una cuyos colores y estructura me llamaron la atención.   

¿Qué me van a dar? ¿Me van a arreglar la casa y me la van a poner bonita? ¿Van a traer alguna ayuda? Me gritaba desde el patio la doña, propietaria de la casa que fotografié en mi barrio. Mientras estaba en el frente con celular en mano dispuesta a sacar la foto, al mismo tiempo salieron los niños de la casa y posaron para mi sonriendo, desde otra de las casas un vecino les decía «vengan para que salgan bonitos en la foto».

Los cuerpos presentes en el espacio cuentan algo y yo quería descubrir qué era eso.

Obra: La cultura de los turbos permanece en el barrio Olaya Herrera

Manuel Magallanes
Barrio La Carolina
28 años

Turbo ‘Que Nota’: ubicado en la calle 10 de mayo, su dueño es Gilberto Riquet.

Turbo ‘Nuevo Antillano’: ubicado en la calle Trinidad, su dueño es Julio Herrera.

Turbo ’ABC’: se encuentra en la Calle Trinidad, su dueño es Freiling Valdez, pintó el turbo en honor al grupo de Hip Hop fundado por su hermano Yoel Matute. Los integrantes del grupo son los actuales bailarines de J Balvin y su hermano coreógrafo y líder.

Turbo ‘El DJ’: ubicado en la calle Bolívar, su dueño es Darlin Valdez. 

El ‘Gran Platino’: se encuentra en la Calle del Socorro. Su dueño es Ramón Zambrano quien adecuó su hogar y lo convirtió en una caseta conocida como la ‘Casa Rosada’. Por más de 10 años ha colocado música variada los fines de semana y las personas llegan a bailar y tomar.

Turbo ‘Génesis’: ubicado en la calle Miramar, su dueño es Camilo Aquilar, pintó  el turbo en honor a su pareja sentimental.

Obra: La Mona proveedora de bollos

Isabella Julio Narváez
Barrio La Concepción
16 años

La Mona, así se le llama por el barrio La Concepción, es de Arjona y pasa todas las tardes bajo sol o lluvia a vender sus bollos. No le disgusta ser famosa, por eso posó para la foto muy entusiasmada. Es una mujer agradecida por la vida. 

Obra: Enclaves

Edgar Andrés Rodríguez cogollo
Barrio Nuevo Bosque
23 años

Obra: Cartagena Itinerante 

Victoria Federica Jiménez Jiménez
Barrio Los Calamares
21 años

Obra: La silla del pensamiento

Luis Alfonso Payares Jiménez
Barrio La Carolina
20 años

Obra: sin título

Orianna Zabaleta Pérez
Barrio La Carolina 
16 años

Obra: Reconocerse

Laura de Grado Alonso
Barrio Manga 
25 años

Obra: Casa en el barrio Ternera sector San Carlos 

Luis Blanco Morillo
Barrio Ternera
21 años

Obra: Retrato de trenzas 

Davis Jair Vega Peña
Barrio Chino
20 años

Obra: Subiendo la loma del diamante

Andrea Rodríguez Contreras
Corregimiento de Pontezuela
24 años

Bazurto es mi vida

La plaza de mercado de Cartagena, a donde cualquiera va por trabajo o a rebuscarse unos pesos, vivió durante la extrema cuarentena que trajo la pandemia por Covid-19 un cierre de emergencia total. Nadie entraba Bazurto, algo que parecía imposible, el corazón de Cartagena por aquel 22 de mayo de 2020 se encontraba silencioso sin la muchedumbre que cotidianamente vive este epicentro del comercio.

Protagonistas: Esterlinda Rodríguez de Teherán, Sara Espinosa Pérez, Wilman Sabaleta “El Mimi”

Rafael Bossio Acosta

• CONTACTO IMAGINA CARTAGENA LAB:

Poner la palabra en movimiento.

Anciano arahuaco

La verdad nace de la imaginación

Ursula K. Le Guin

Hoy en día, nadie debe empecinarse en aquello que «sabe hacer». En la improvisación reside la fuerza. Todos los golpes decisivos habrán de asestarse como sin querer.

Walter Benjamin

Preámbulo: cuando el peligro acecha

Tantos años lidiando con la lectura y la escritura alfabéticas. Sesenta. Y cada vez me asombran la lentitud que exigen y el miedo que esta escritura despierta a la hora de enfrentarse a la página o cualquier espacio en blanco. Como si todo el saber del cuerpo tuviera miedo al abismo, al salto a ese espacio vacío que se supone que uno ha de llenar. Pero ¿hay que llenar el vacío? ¿O es miedo al tiempo de tortuga que cada vez nos es más difícil soportar? ¿O es miedo a producir solo? ¿Por qué creemos que se escribe solo? Si es un ejercicio comunal: hay lectores, cómplices… ¿Será que sentimos que estamos en peligro?

Dice Edwidge Danticat, escritora haitiana:

Hay muchas interpretaciones posibles de lo que significa crear peligrosamente, y Albert Camus, como el poeta Osip Mandelstam, sugiere que es crear como revuelta contra el silencio, crear cuando tanto el acto de creación como el de recepción, el acto de escritura como el de lectura, son peligrosas empresas que desobedecen una directiva.

(p. 484. Énfasis añadidos)

En mis primeros años de estudio de la filosofía tuve dificultad de cómo contar la conmoción o el desapego que ciertos universos de pensamiento suscitaban en mí, es decir en mi cuerpo, mente y espíritu: ¿cómo decirle a Husserl que su escritura era infernal?; ¿cómo abrazar a Nietzsche? Para el caso de este último, encontré la forma: escribí una carta. Desobedecí el formato ensayo académico. Un riesgo menor, pero que me ha acompañado desde entonces. Las correspondencias han sido vitales para pensar, contar, errar y ensayar. A veces se escriben cartas sabiendo que no habrá respuesta, no habrá una respuesta, o tal vez sí… Habrá vivos que puedan responder por los muertos… Un ejemplo: la Carta a Pedro, escrita por una de las voces de La ceiba de la memoria, Thomas Bledsoe, al final de la novela escrita por el cartagenero Roberto Burgos Cantor:

Querido Pedro:

Reconozco que Usted no podrá responderme y tampoco leerme

Una lealtad conmigo mismo me lleva a escribirle sin saber a quién le escribo. A lo mejor a la imagen que he construido de Usted. De buena fe, sí: preguntando y preguntando sin descansar a papeles y papeles. Pocos. Escasos papeles en esta tierra a la cual Usted entregó 38 años de su vida y cuando quiso irse ya no pudo. Aquí los papeles se deshacen: bolas de babas desprenden hilos violetas o negros. Los estantes los anaqueles los archivadores los baúles se caen y dejan el polvo ligero de la madera o las escamas del metal oxidado. Y la gente, Usted lo sabe, prefiere la voz a la escritura. Usted mismo escribió poco. (…) La gente prefiere la voz. Y la voz se pierde en el tiempo y aquí en el mar.

(Burgos Cantor, 2007, pp. 404-406)

O la carta de Patti Smith a Pasolini y que se hizo pública la semana pasada en el centro Nacional de las Artes, ubicado en Bogotá.

Este, el de Patti Smith, es un ejemplo, de los tantísimos que hay, de cómo se escribe también en espacios diferentes al papel, con luz, con el movimiento de los cuerpos. Esta coreografía me lleva a la tragedia griega, esta manera de contar mitos, entre religiosa y literaria, con el movimiento de los cuerpos, vinculada al surgimiento de la democracia, pero consagrada a Dionisos, el dios de la totalidad. Ocurría en un espacio: el teatro.

Un filósofo, Platón, transpuso a la filosofía el procedimiento de los diálogos de la tragedia, que en el siglo V antes de Cristo era lo que para nosotros es el cine desde finales del siglo XIX. Y lo llevó a la calle. Inventó un personaje: Sócrates, un transhumante en Atenas, que cual tábano cuestionaba a los ciudadanos sin piedad. Entre persona y personaje, Sócrates abre unos de los problemas vitales de las artes: la relación entre lo real y la ficción. Y, no obstante, el filósofo abolió, lo más importante de esa forma comunal: el coro. Nietzsche le criticó este gesto de borradura: al darle protagonismo al personaje y a sus preguntas (que llevaban implícitas las respuestas seguras y ciertas del sabio), es decir al discurso, se perdía la fuerza musical de la tragedia y con ello empezó el declive la fuerza de la vida en el pensamiento. Las diatribas iracundas de Nietzsche contra este gesto se entienden por cuanto era un vitalista que veía “la ciencia con la óptica del artista, y el arte, con la de la vida…» (Nietzsche, 1995, p. 28). El clamor de la escritura de Nietzsche, este filósofo-artista, es por la fuerza de la vida, por el deseo, por la fuerza erótica que ha de estar presente en las artes, tanto en sus prácticas como producciones. Su vitalismo ha influido desde entonces a/en pensadores y artistas desde el siglo XX para acá. Diría que en esta época de necropolítica[2], en la que los Estados no protegen la vida sino proponen las más atroces maneras de matar a sus ciudadanxs, este vitalismo pulsa aún más fuerte. Al respecto escribe Cristina Rivera Garza[3]:

¡Qué significa escribir en este contexto? ¡Qué tipos de retos enfrenta el ejercicio de escritura en un medio donde la precariedad del trabajo y la muerte horrísona constituyen la materia de todos los días? ¿Cuáles son los diálogos estéticos y éticos a los que nos avienta el hecho de escribir, literalmente rodeados de muertos? Estas y otras preguntas se plantean a lo largo de las páginas que siguen, sin olvidar tampoco, que las comunidades literarias de nuestros mundos posthumanos atraviesan lo que ha llegado a ser acaso la revolución de nuestra era: el auge y la expansión del uso de las tecnologías digitales. En efecto, la muerte se extiende a menudo en los mismos territorios por donde avanzan, cual legión contemporánea, las conexiones de Internet. La sangre y las pantallas confundidas. Si la escritura se pretende crítica del estado de las cosas, ¿cómo es posible, desde y con la escritura, desarticular la gramática del poder depredador del neoliberalismo exarcerbado y sus mortales máquinas de guerra?

(Rivera Garza, 2013, p. 19)[4]

Las artes, que empiezan a donde termina la información entendida esta como control[5], proponen diferentes maneras de testimoniar su presente: épica y teatro, fotografía y cine, palabra e imagen, poesía y ensayo… Tantas maneras de contar lo real. Cada cual con diferentes modos de narrar, de producir. Y es que la historia y el artista no pueden  testimoniar sino en códigos de ficción que abren canales de liberación para que podemos ver, ser y hacer “desobedeciendo (las) directivas”. Al testimoniar, lxs artistas vinculan los hechos banales de la vida cotidiana con la historia y los mitos, esa experiencia colectiva que se repite y puede variar al infinito como los sueños y que se enriquecen al reinventarlos.

El cine generó una manera potente de actualizar mitos, de contar historias: el montaje. Para el cineasta ruso Sergei Einsestein, el montaje tiene su origen en el ideograma, la forma escritural japonesa y china cuyo principio es la composición y no la fonación[6].

Las prácticas artísticas desde la aparición de las imágenes en movimiento son herederas de este modo de hacer que permite sobreponer, más que yuxtaponer, bloques heterogéneos de materiales visuales, sonoros y espaciales generando encuentros, coincidencias o composiciones insólitas e inauditas. Ahora bien, la estrategia del montaje es similar a la de la canibalización[7]. En esta se digiere algo para incorporar una parte y desechar otra. Quien se come a otro semejante inscribe en su cuerpo múltiples subjetividades y devenires. Un pensamiento montaje, por su parte, al cortar y pegar permite encuentros inesperados entre pasado y futuro; entre pasado y presente, o entre presente y presente. Así se constituye el arte como espacio de micropolítica que fisura a la macropolítica y a su statu quo.

La experiencia en la Mitav

Tras de doce años (2007-2019) de la existencia de la Maestría Interdisciplinar en Teatro y Artes Vivas –Mitav– en sus dos sedes de Bogotá y Barranquilla (en 2020 y 2022 llegó Cali), con Rolf Abderhalden –mi amigo de toda la vida y cofundador de Mapa Teatro con Heidi Abderhalden, su hermana– decidimos hacer un laboratorio/seminario para precisar las intuiciones sobre las artes vivas que estuvieron en el origen de este espacio académico in(ter)disciplinar y transdisciplinar fundado pensado en sus inicios por nosotrxs dos, Heidi y José Alejandro Restrepo. Esta Maestría de creación acompaña a artistas a poner sus cuerpos en espacialidades diversas con formas de operar in-disciplinadas. Al cuerpo que se pone en espacio tridimensional lo hemos llamado gesto y no obra; y al poner del cuerpo en papel con escritura alfabética, huella. Ambos están en íntima resonancia.

En dicho seminario/laboratorio rastreamos la singularidad de los modos de producción que habíamos desarrollado como potenciadores de experiencias y afectos que pusieron en juego la pregunta por la producción de la vida y de la vida como producción. Con ello queríamos ir más allá de la comprensión biológica de la vida y mostrar la importancia del Deseo, de Eros, para la creación y construir un espacio común de libertad.

http://artes.bogota.unal.edu.co/programas-academicos/posgrado/maestria/teatro-artes-vivas/produccion

Hicimos énfasis en las dimensiones política y erótica de los distintos modos de producción de cuerpos singulares y colectivos, de subjetividades y acciones poéticas necesariamente improductivas y rabiosamente vitales. Y nos apropiamos, con una borradura, de la propuesta de definición del erotismo de Georges Bataille: El erotismo es la aprobación afirmación de la vida hasta en la muerte. Partimos del Deseo como potencia y no carencia, es decir con aquello que tiene múltiples devenires. Así, el Deseo encarnó, sí encarnó como se encarnan las uñas, en la Sirena y su canto, esa forma que ha tenido tantas apropiaciones. Ella se convirtió en el motivo en el sentido musical del término de nuestro pensar y en cuatro figuras: Ulises, Orfeo, la los remeros de la embarcación y Butes, el remero indisciplinado. Cada una encarna cuatro modos de relación con este canto amenazante a través de operaciones específicas y respectivas: atarse, cantar con virtuosismo, taponarse los oídos, o saltar. Corresponden a cuatro modos de escucha de la voz de las Sirenas, cada una de las cuales se entrega o no reto pleno del Deseo.

Ulises, hombre racional y astuto, encarna la figura del hombre blanco, occidental, antropocéntrico, heteronormativo, quiere conocer, conocer y dominar el Deseo y dominarlo, no sucumbir ante él. El canto de las Sirenas representa un peligro demasiado grande, no sólo para él sino también para su empresa y el colectivo que lo acompaña en su retorno a casa, y no obstante, es el único que la oirá sin peligro: se ata.

Orfeo, el poeta/cantante, canta, a todo pulmón, en la proa del barco. Ha sido contratado para que con su techné, el canto armónico, opaque y neutralice la seducción del canto disonante de las Sirenas. Orfeo sólo parece escuchar su propio canto, su poderosa techné, su virtuosismo vocal, su arte, como lo llamaría Occidente siglos después. Se torna sordo a esa voz amenazante. Sólo se escucha a sí mismo, no requiere atarse.

Ahora bien, esa nave que va camino a Ítaca se mueve gracias a los remeros. Son la fuerza de trabajo, responsables de la producción de movimiento que hace posible que la máquina/embarcación avance con el fin de que la empresa de la que hacen parte alcance su objetivo. Estos operarios, que viven para trabajar, trabajan para sobrevivir y obedecen las órdenes de sus superiores, realizan su labor mediante una techné específica, una tecnología del cuerpo –remar– que se vería perturbada por la escucha del canto de las Sirenas. Esta escucha les será, por lo tanto, prohibida por Ulises, mediante otra forma de ensordecimiento: el taponarse lo oídos.

No obstante, Butes el remero indisciplinado (Quignard, 2011), desobedece las órdenes de Ulises. Se arranca la cera que tapona sus oídos, salta y escucha. Butes escucha, por encima de la voz armónica de Orfeo, el canto disarmónico de las Sirenas y sin pensarlo, se arroja a las profundidades del agua para abrazarlo, a pesar del peligro. Siglos después Clarice Lispector escribirá:

Tengo miedo de escribir. Es tan peligroso. Quien lo ha intentado lo sabe. Peligro de hurgar en lo que está oculto, pues el mundo no está en la superficie, está oculto en sus raíces en las profundidades del mar.

A pesar del riesgo, el remero y la escritora indisciplinada, se lanzan a lo desconocido: ella, entre otras maneras, a contemplarse a través de una cucaracha en su agonía y devenir cucaracha; y él se entrega a la voz de las Sirenas, esos seres monstruosos, que surgen de los abismos, es voz que apela a la vida sumergida. Esos seres, entre humanas y animales, nos recuerdan que las especies estamos juntas, que no hay jerarquía entre ellas. Sus voces nos llaman a despojarnos de nuestras formas preestablecidas. Nos recuerdan que la vida es abismal y que la voz es un fenómeno corporal y carnal, vocálico, que excede al lenguaje como sistema semántico.

Butes, este clavadista, Clarice Lispector se arrojan y sabotean sus “destinos”. Se desvían de las convenciones, transitan, transgreden, transponen. Cambian la posición, dislocan, cambian el lugar de ver, la preposiciones, in-disponen. La meta inicial, segura, no constituye más el proyecto inicial. Arrojarse a las fuerzas que movilizan el Deseo abre la imaginación a los múltiples posibles del devenir. Esto supone abrirse a la tensión entre el tiempo del sujeto y el tiempo de la historia, y en particular del presente; una apertura de los oídos, una aguda conciencia de los tapones morales e ideológicos que nos ensordecen a todxs para lo inaudito, y una atención a las densidades y complejidades del presente. A

Silbidos, chirridos, rasguños, shak-shak, shekesheke, caja china, gong-gong, el cheng-cheng de la banda de percusión caribeña, el sonido del banjo o del platillo, el rasguido de la guitarra, vibrato de la voz, saxo, equipo de sonido, el largo redoble del ambos hasta que se convierte en trueno, los sheets of sound de Coltrane, los graznidos y gritos de Pharoah Sanders, onomatopeya, kinesis congregacional…

(Brathwaite, 2010, p. 37. Nota 49)

Nadie como AntoninArtaud entendió que la fuerza vital de la voz alcanza su máxima sonoridad en textos y acciones poéticas que se permiten versar, es decir, girar, caer, rondar, y no discurrir, que, como su etimología lo evidencia, pone a mover la palabra en línea recta.

La voz de Artaud: Para terminar con el juicio de Dios.

Esta insurrección de la voz también puede escucharse en la pieza visual y sonora, Futuros perdidos, de Marlon PV[9], la escritora mexicana nacida en 1991 en Tijuana, zona de frontera con Estados Unidos.

Cuatro figuras para desatar la imaginación narrativas

La pregunta que ha pulsado en este texto, espero haya sido clara, es por el saber del cuerpo, por poner el cuerpo, por qué puede un cuerpo, no sólo humano sino de cualquier especie. Y la pregunta de cómo transcribir las fuerzas vitales que se alojan está los cuerpos, sus memorias, sus archivos afectivos, su código genético a una forma que pueda compartida, hecha pública. Así podría haber otras figuras y las narrativas que de ellas se puedan generar y que hoy ya se producen dentro de la máquina que ha producido el capital financiero. Este que ha cooptado fuerzas de trabajo, las fuerzas de creación y que ha colonizado inconscientes. El desafío es mantener vivo el valor de uso del trabajo improductivo, incluso cuando su misma producción de improductividad tiene que negociar con la lógica del capital financiero. El reto es parar oreja al intervalo que acaece en el aire, en un espacio-tiempo suspendido, cuando todavía la cabeza del remero/artista indisciplinado “no ha alcanzado el mar”, esa de la cuando la acción aún no está terminada, se está cayendo:

https://es.wikipedia.org/wiki/Tumba_del_nadador

El gesto de grito, de salto, de desvío de lxs artistas va en contravía de este régimen: instaura una escucha y una relación al Deseo que potencia lo inútil, lo transitorio, el excedente de energía y lo superfluo como fuerza vital para la creación.

Propongo otras figuras que abren a narrativas complejas, paradójicas, de tensión.

El huracán, una fuerza cimarrona

Cada año, sin falta, llegan al Caribe[10] los huracanes, las tormentas más violentas y con mayor poder de destrucción sobre la tierra. No en vano el dios jurakán, de origen taíno, de la que proviene la española, era el de los fuertes vientos y malos espíritus.

Los huracanes del Caribe provienen de las costas africanas. Se forman cuando el aire cálido y húmedo, que corre sobre las aguas templadas –cinco grados al norte o sur del Ecuador y que superen los 26 grados centígrados– va subiendo y alejándose del agua, dejando menos aire en la parte baja, cerca al océano. Este fenómeno era bien conocido por las poblaciones nativas del Caribe, como lo demuestra el estudio realizado por el pensador cubano Fernando Ortiz en torno al simbolismo de ciertas figuras del arte precolombino cubano.

Tal figura está compuesta por la representación lineal de una cabeza con dos brazos curvados y combinados en forma sigmoidea; o sea en sentido contrario uno de otro, el uno hacia arriba y el otro hacia abajo, asemejando una ese en su conjunto.

(Ortiz, 2005, p. 17)

Si bien antes de Ortiz se consideró que podían ser signos de baile o de fecundidad, este prefirió darles una interpretación meteorológica, referente a las mitologías vinculadas a los fenómenos rotatorios, “algunos terribles y trascendentes, que se dan en el ambiente geográfico cubano” (Ortiz, 205, p. 37). Entre los que más inspiraban miedo y deseo estaba el jurakán, por su capacidad devastadora: se mueve a velocidades diferentes y su trayectoria e intensidades son, aún hoy, no del todo predecibles, a pesar de todos los aparatos de diagnóstico contemporáneos. Dado que gran parte de la vida de un huracán es sobre agua, las mediciones son difíciles y escasa. Además, la misma física de los huracanes es caprichosa. No siempre se comportan “bien”, así que suele haber cambios abruptos en movimientos o intensidades. Los huracanes son entonces cimarrones, escapan a las lógicas de los aparatos de medición y los inducen a error. Su predecibilidad es incierta, su movimiento rotatorio[11] y traslatorio simultáneamente; y, a diferencia de los tornados, su invisibilidad y su larga duración, aunque suelen aparecer juntos: el huracán ruge y el tornado, cual serpiente, se contornea.

No es pues en vano que el poeta barbadense, Kamau Brathwaite, afirmara en su conferencia Historia de la voz, dictada a fines de agosto de 1979, año de un poderoso huracán, el David: “El huracán no ruge en pentámetros. Y ese es el problema: ¿cómo conseguir un ritmo que se aproxime a la experiencia natural, a la experiencia atmosférica?” (Brathwaite, 2010, p. 123).

El reto que se imponía para estas escrituras caribeñas sería cimarronearse, escapar de la norma, hacia un lugar más cercano a la experiencia atmosférica de los cuerpos (Brathwaite, 2010, p. 122). Exigía de ellos exponenciar su carácter destructivo, tanto en el sentido huracanal como en el de Walter Benjamin:

El carácter destructivo sólo conoce una consigna: hacer sitio; sólo una actividad: despejar. Su necesidad de aire fresco y espacio libre es más fuerte que todo odio. (…)

(…) El carácter destructivo trabaja siempre fresco. Es la naturaleza la que, al menos indirectamente, le prescribe el ritmo: porque tiene que tomarle la delantera. De lo contrario será ella la que emprenda la destrucción.

(1973)

La ceiba

Este árbol de los deseos vinculado a Oyé Yansa, es originario de México. La ceiba ya era considerada sagrada entre los mayas y el pueblo náhuatl, pero tiene una connotación particularmente majestuosa en los cultos sincréticos de origen. Oyá es un Osha y está muy relacionada con la divinidad de la muerte, Iku. Propicia los temporales, los vientos fuertes o huracanados y las centella. Simboliza el carácter violento e impetuoso. Cuando Oyá baila, menea su iruke[12] para limpiar las malas influencias del aire. Su baile es muy frenético y muy rápido. Es delirante, una bacanal. A veces carga con una antorcha encendida en su mano derecha, haciendo fieros círculos mientras gira hacia la izquierda.

En la Regla de Osha, la ceiba es el asiento de Iroko, el Orisha relacionado con los deseos, o es Iroko mismo cuando la ceiba está consagrada.  Muchos rituales se los abakúas, y también de lxs ciudadanos, se realizan bajo su espesa fronda.

Ha dado lugar a muchos comentarios. Aquí quiero mencionar dos.

Año tras años se la hace ofrendas en la Habana a donde cada 16 de noviembre kas y los habaneros concurren, le dan vuelta tres veces en sentido contrario a las manecillas del reloj, la tocan mientras piden un deseo y dejan sus ofrendas para conmemorar el primer cabildo mediante el cual se fundó esa ciudad. Y es que se dice que: «Si prospera, prospera nuestra nación, si se seca, nuestra nación será destruida». Fernando Ortiz, contravieniendo las interpretaciones religiosas considera que es el mayor emblema que tienen lxs habanerss de la libertad: «A esa ceiba debiera concurrir nuestro pueblo habanero en peregrinación, cada vez que sienta mermadas sus libertades».

Este árbol de los deseos dio lugar al título de la novela de Roberto Burgos Cantor, La ceiba de la memoria, que aborda los exterminios por racismo de Occidente: la esclavización a la población africana que dio origen a la plusvalía y al enriquecimiento de Europa y la solución final imaginada por los nazis contra judíos, gitanos, homosexuales; y que resuenan hoy con las asesinatos de Estado, mal llamados falsos positivos y de cuyo máquina de muerte nos hemos enterado por las audiencias que la JEP ha hechos desde el 2022.

El látigo

Este instrumento de castigo tan vinculado la esclavización y cuya narrativa perdura y se invierte cada año en Guapi en la fiesta de Los santos inocentes cada 28 de diciembre, generando una actualización de la esclavización y pone en evidencia la relación entre fiesta y violencia. Santos inocentes es la primera obra de las cuatro que conforman la Anatomía de la violencia que Mapa Teatro creó entre 2010 y 2019. La fiesta de Guapi y la obra de Mapa Teatro transponen la narrativa de los santos inocentes[13], vinculada a la tradición cristiana, a la historia de racismo de este país.

Veamos:

https://vimeo.com/67957624 (Praga)

https://vimeo.com/155786449 (Medellín).

Filoctetes

El cuerpo-fétido-hombre-escoria de la tragedia griega, con su pústula, su abyección, me permite pensar este presente. Ella no ha cesado de crecer y transformarse. Con su grito y herida buscan salir de su aislamiento. Se asemeja a lo que Deleuze dice del grito de Bacon, “la operación por la cual el cuerpo entero escapa por la boca”. Por la herida de Filoctetes escapan todas las injusticias a las que se ha visto sometido ese cuerpo. Emilio García Wehb que actualizó esta figura en el proyecto Filoctetes: Lemnos en Buenos Aires[14].

La diaria presencia de un cuerpo devastado y la aparente apatía de los transeúntes por ese cuerpo en la calle (sea un mendigo, un inmigrante pobre o quizás un cadáver) en grandes territorios urbanos, crea una especie de normalidad sospechosa entre sus habitantes.

¿Es la cínica indiferencia de los tiempos que corren, o es la negación explícita de una realidad terrible, para poder sobrevivir a nuestra conciencia infeliz? ¿Nos es tan fácil integrar a esos futuros muertos sociales a nuestro paisaje urbano, bajo el pretexto de la manta darwiniana que hoy nos cubre, o es un mecanismo de defensa psíquico para evitar volarnos la cabeza de un disparo?

Sea lo que fuere, nos comportamos como si todo fuera normal.

(García Wehbi, 2002)

La singularidad del olor es fundamental y, no obstante, lo enmascaramos. Cuerpos y edificios requieren estar limpios, estamos rigurosamente vigilados. En los espacios públicos e instituciones privadas no se admiten animales ni merodeadores y vagabundos, campesinos, por inmundos, dicen ellos[15]. No usan perfume, apestan, huelen. No se enmascaran el cuerpo. Tampoco se admiten y se aniquilan aquellos cuyas luchas hieden y son aniquilados: indígenas, LGBTS, intelectuales, periodistas, líderes y lideresas sociales, comunidades afrodescendientes… La búsqueda de seguridad y de codicia se convierte en signo de identidad.

Escrituras acheiropoiéticas

¿Inocente? Hoy en día que me pregunto si es posible, quizá sea posible en la escritura achiropoiética[16], en las que no interviene la mano humana: movimientos telúricos o de animales. El pensamiento no lineal propio del montaje y la canibalización quizás nos permiten verlas/oírlas con más facilidad. En esta época que hemos cuestionado la hegemonía de la especie humana sobre otras especies vivas, sabemos que las narrativas no vienen sólo en línea recta. Podemos escuchar los tiempos geológicos, duraciones diversas; ver, oler tocar y gustar de otras maneras. Esta actitud nos permitiría salir de la crisis de la sensibilidad ese “empobrecimiento de las relaciones que podemos sentir, percibir, comprender y tejer con los seres vivos. Una reducción de la gama de afectos, de objetos, de conceptos y de prácticas que nos vinculan a ellos” (Morizot, 2020, p. 35).

Las mujeres, más que los hombres, has aguzado su escucha y cuerpo para estas escrituras acheiropoiéticas. Aquí tres ejemplos:

Todo escribe a nuestro alrededor, eso es lo que hay que llegar a percibir; todo escribe, la mosca, la mosca escribe, en las paredes, la mosca escribió mucho a la luz de la sala, reflejada por el estanque. La escritura de la mosca podría llenar una página entera. Entonces sería una escritura. Desde el momento que podría ser una escritura ya lo es. Un día, quizás, a lo largo de años venideros, se leería esa escritura, también sería descifrada y traducida. Y la inmensidad de un poema legible se desplegaría en el cielo.”

(Duras, 2022, p. 44)

Manuscrito encontrado en un hormiguero

Los mensajes, escritos con exudación de glándulas sensitivas, fueron hallados sobre la superficie de infecundas semillas de acacia colocadas en hilera al final de un túnel estrecho e irregular, posiblemente una desviación de otro más profundo y vertebral de la colonia. Lo primero que llamó la atención de los investigadores fue el peculiar sentido del orden que manifestaba la posición de las semillas.

Los mensajes son fragmentarios y la traslación peca de aproximativa, en parte debido a la inexcusable necesidad de interpretar; pero el texto es rico en sugerencias, principalmente por su novedad con respecto a los restantes escritos fórmicos que conocemos.

Semillas 1-13 (No deseo) pulsar las antenas. (No quiero) golpear. (Quiero) verter sobre secas semillas (mi) dulzura de alma. Pueden encontrarlas cuando (yo haya) muerto. ¡Palpa esta seca madera. (¡Soy yo quien) habla! (¡Yo estoy) aquí!

Como alternativa, este pasaje puede ser leído:

(No debes) pulsar las antenas. (No debes) golpear. (Puedes) verter sobre secas semillas (tu) dulzura de alma. Pueden encontrarlas cuando (hayas) muerto. ¡Palpa esta seca madera! Habla: (¡Yo estoy) aquí!

En el no muy conocido dialecto de las Hormigas es omitido el uso de pronombres personales, excepto los de la tercera persona de singular y plural y la primera del plural. En este texto que comentamos sólo aparecen las formas radicales de los verbos; de manera que no podemos decidir si se trata de una autobiografía o un manifiesto.

(K. Leguin, El autor de las semillas de acacia y otros extractos del diario de la Sociedad de Zoolingüística)

Y en ese trato con esa dimensión, para muchos abyecta, de la vida, la artista barranquillera hizo su trabajo de grado de la Mitav , sobre el caño de la Ahuyama que bordea el mercado de esta ciudad. La huella de ese gesto fue publicado en Archivos en archipiélago (pp. 11-90)

(https://repositorio.uniatlantico.edu.co/handle/20.500.12834/1059).

En los códigos QR podrán viajar por ese caño, tan inmundo como Filoctetes.

Coda

En 2023 puedo decir que somos testigos privilegiados. Tenemos, como he tratado de mostrar, muchas maneras de contar lo que vemos de ahora, del pasado y del futuro. Las narrativas contemporáneas tienen a su disposición technés de diferentes temporalidades, espacialidades y soportes. Desde la captura de los dispositivos de registro inmediato hasta los tiempos lentos de escribir a mano y luego pasarlo todo por el maravilloso proceso del montaje en el que podemos componer, disponer, indisponer, transponer, transcribir. Exige sí lectorxs flexibles y con imaginación que se dispongan a transitar por las disonancias, interrupciones, cortes, sorpresas.

Cómplices

Roberto Burgos Cantor

Mapa Teatro

Mitav

Walter Benjamin

Cristina Rivera Garza

Referentes

Artaud, A. (1948). Para acabar con el juicio de Dios. https://www.youtube.com/watch?v=X4uiRe6W1xU

Benjamin, W. (1973). El carácter destructivo. Discursos interrumpidos I. Madrid: Taurus.

Benjamin, W. (1987). Dirección única. Madrid, España, Alfaguara.

Brathwaite, K. (2010). La unidad submarina. Ensayos caribeños. (F. Bonfiglio, Trad., ensayo preliminar y entrevista). Buenos Aires: Ediciones Katatay.

Burgos Cantor, R. (2007). La ceiba de la memoria. Bogotá, Colombia: Seix Barral.

Danticat, E. (2018). Crear peligrosamente: el artista migrante en el trabajo. Antología del pensamiento crítico haitiano contemporáneo. (Camila Valdés León y Frantz Voltaire, Coordinadores). (pp. 477-499). Buenos Aires, Argentina: Clacso.

Duras, M. (2022). Escribir. Barcelona, España: Tusquets.

García-Wehbi, E. (2002). Proyecto Filoctetes: Lemnos en Buenos Aires. https://emiliogarciawehbi.com.ar/archivo/proyecto-filoctetes-lemnos-en-buenos-aires/

Herazo, K. (2021). Anoche soñé: deriva por lo oscuro. Ensayo visual. Archivos en archipiélago. (Adriana Urrea editora académica), (pp. 22-90). Barranquilla, Colombia: Universidad del Atlántico.

K. Le Guin, U. (1976). El autor de las semillas de acacia y otros extractos del diario de la Sociedad de Zoolingüística. De Viajeros del tiempo, antología de autores varios. Barcelona, España: Luis Caralt Editor. https://www.lapurpuradetiro.com.ar/index.php/numeros-anteriores/item/473-el-autor-de-las-semillas-de-acacia-y-otros-extractos-del-diario-de-la-sociedad-de-zoolingueistas#:~:text=Ursula%20Kroeber%20Le%20Guin%20(Berkeley,1929)%20es%20una%20escritora%20estadounidense.

Mapa Teatro. (2010). Los santos inocentes. Anatomía de la violencia. Bogotá, Colombia. https://www.mapateatro.org/

Mbembe, A. (2003). Necropolitics. En Public Culture, vol. 15, núm. 1, invierno de 2003, pp. 11-40.

Morizot, B. (2020). Maneras de estar vivo. La crisis ecológica global y las políticas de lo salvaje. Madrid, España: errata naturae editores.

PV, Marlon. (2022). Futuros perdidos. https://www.youtube.com/watch?v=Q5RW9wrL_mc

Quignard, P. (2011). Butes. Madrid, España: Editorial Sexto Piso.

Rivera Garza, C. (2013). Los muertos indóciles. Necroescrituras y desapropiación. Barcelona, España: Tusquets.

Smith, P. (2023). Correspondences. Bogotá, Colombia: Centro Nacional para las Artes.

Szendy, P. (2021). Pour une écologie des images. Paris, Francia: Les Éditions de Minuit.

VV.AA. (2023). Habitar la biblioteca. (Andrea Reed-Leal, editora). México D.F., México: Máquina de Aplausos.

[1] Filósofa.

[2] Achille Mbembe, quien acuñó este término, que el necropoder es “el dominio de la muerte sobre el cual el poder ha tomado control”.

[3] Quise pegar la captura de pantalla que hice a este párrafo del libro Los muertos indóciles. Necroescrituras y desapropiación, pero tuve que transcribirla porque la imagen no salía completa o se sobreponía a la escritura alfabética. Y claro, recordé a Walter Benjamin, quien en Dirección única escribe: “La fuerza de una carretera varía según se la recorra a pie o se la sobrevuele en aeroplano. Así también la fuerza de un texto varía según sea leído o copiado.” (p. 21).

[4] Recomiendo el encuentro que Cristina Rivera Garza, Gabriela Wiener y Lina Meruane tuvieron en el CCCB (Centro de Cultura Contemporánea) de Barcelona: Trenzar: santas, raras y mestizas. https://www.cccb.org/es/multimedia/videos/cristina-rivera-garza-lina-meruane-y-gabriela-wiener/240396

[5] En una conferencia que en 1987 dictó Gilles Deleuze en la fundación FEMIS, dirigida a cineastas, el filósofa afirma: “Entonces, ¿por qué les cuento esto? Bueno, porque la información, digamos, es el sistema controlado de las palabras de orden, palabras de orden que tienen lugar en una sociedad dada (…) la contra-información deviene efectivamente eficaz cuando ella es (y los es por su naturaleza) cuando es o deviene acto de resistencia. (…) ¿Cuál es la relación entre la obra de arte y la comunicación? Ninguna.

Ninguna, la obra de arte no es un instrumento de comunicación. La obra de arte no tiene nada que hacer con la comunicación. La obra de arte, estrictamente, no contiene la mínima parte de información. Por el contrario, hay una afinidad fundamental entre la obra de arte y el acto de resistencia. Entonces aquí sí, la obra tiene algo que hacer con la información y la comunicación, sí, a título de acto de resistencia. (…) Malraux desarrolla un buen concepto filosófico, dice una cosa muy simple sobre el arte. Dice que es la única cosa que resiste a la muerte”.

[6] En El principio cinematográfico y el ideograma, Einstein afirma: “Por ejemplo, la representación del agua y la imagen de un ojo significan «llorar»; la imagen de una oreja cerca del dibujo de una puerta =»escuchar»;

un perro + una boca ₌«ladrar»;

una boca + un niño =»gritaar»;

una boca + un pájaro «cantar»;

un cuchillo + un corazón = «pena», y así sucesivamente.

¡Esto es montaje!

En efecto. Es exactamente lo que hacemos en el cine: combinar tomas que son representativas, únicas en su significado, neutrales en su contenido, dentro de contextos y series intelectuales”.

[7] Oswaldo de Andrade, poeta brasileño, escribió El manifiesto antropófago (1928), a partir de la pintura de Tarsilia do Amaral Abaporo, término tupí-guaraní que significa “hombre que come hombre”. https://coleccion.malba.org.ar/abaporu/

[8] Para acabar con el juicio de Dios (1947) es un poema escrito para la radio francesa, a solicitud de Fernand Poney. Con su voz (y la de María Casares, R. Blin y P. Thérenin) fue grabado el 28 de febrero de 1947, pero la emisión, programada para el 2 de febrero de 1948, fue prohibida por el director de la radio, Wladimir Porché, debido a la virulencia del texto.

[9] Marlene Pérez Velasco, cuyo alias es Marlon PV. Nació y vive en Tijuana México, el 8 de julio de 1991. https://www.hablemosescritoras.com/writers/1597

[10] El escritor dominicano, Juan Bosch, plantea que, a partir del siglo XVII, el Caribe se constituyó en la frontera imperial de España, Francia, Inglaterra y los Países Bajos. En la actualidad esta frontera imperial se mantiene. Al gran Caribe lo conforman veintiséis países entre insulares y continentales y hay dieciocho islas dependientes: seis de Holanda, cinco de Francia, cinco del reino Unido, dos de Estados Unidos. Y el archipiélago de San Andrés, Providencia y Santa Catalina que aunque de Colombia, parece que aún no entra en su imaginario, como ha sido claro tras el huracán Iota de 14 de noviembre de 2020. Ahora bien, es importante resaltar que muchas de las islas que ahora son países logaron su independencia a partir de 1962 y este proceso de extendió hasta entrada la década de los ochenta del siglo XX. Es en este proceso de decolonización que escritores anglófonos, francónos e hispano parlantes propusieron una relectura de la obra de Shakespeare de la que haremos mención en este texto.

[11] Su rotación abarca enorme diámetros (entre 300 y 600 millas) y crece a medida que se aleja de las calmas tropicales a donde suele formarse.

[12] Una vara de pelos hecha del rabo de un caballo, atado a un cabo de hueso de madera o metal, con esta arma ella domina a los Eggunes.

[13] Trata dela orden que Herodes da de ejecutar a los niños nacidos en Belén, menores de dos años. Lo hizo al sentirse engañado por los sabios de oriente que no lograron darle el lugar exacto del nacimiento de Jesús, quien sería el futuro rey de Israel y lo destronaría. https://tuiteartees.wordpress.com/2012/12/28/la-masacre-de-los-inocentes/ (Los santos inocentes de Nicolás Poussin)

[14] Proyecto Filoctetes: Lemnos en Buenos Aires. https://emiliogarciawehbi.com.ar/archivo/proyecto-filoctetes-lemnos-en-buenos-aires/. A partir del 2 de agosto se presenta en el Museo Universitario del Chopo en Ciudad de México el Archivo Filoctetes, curado por Maricel Álvarez. https://www.chopo.unam.mx/01ESPECIAL/artesvivas/filoctetes.html?fbclid=IwAR1-D0UfJOQJXbUV08UiSiZyRig-qWtOZWGwaQzdLkoD5Y-JTyU5KhBsYew

[15] inmundo, da.

(Del lat. immundus).

1. adj. Sucio y asqueroso.

2. adj. Impuro.

3. adj. Se decía de aquello cuyo uso estaba prohibido a los judíos por su ley.

[16] Agradezco a mi amigo y artista Santiago Sepúlveda que me haya dado a conocer este concepto.

Cuando recibí la llamada de Irina Junieles, invitándome a participar en la presentación del libro de Nadia Celis titulado «Crónica de un amor terrible», no lo podía creer. Había leído el libro de Nadia en marzo y aún sentía viva la mezcla de sensaciones que me produjo esta lectura, el asombro por conocer cómo se había gestado no solo la historia original de «Crónica de una muerte anunciada» de Gabriel García Márquez, sino también los caminos que tomó el lanzamiento de la novela en 1981, treinta años después de los sucesos reales que dieron lugar a la ficción. 

Para quienes se interesan en este tránsito de ida y vuelta entre la realidad y la invención, este libro satisface esa manía de ir levantando capas para tratar de llegar al corazón de la verdad.

 El evento se programó para la tarde del 13 de julio en la huerta del Museo Histórico de Cartagena. Irina y Nadia quisieron que en esta conversación estuvieran presentes varias voces que pudieran dar una mirada amplia y compleja de la lectura de su libro. En el flyer de la invitación aparecían los nombres de Mercedes Posada, directora del programa de Comunicación Social de la UTB; Olga Cabeza Meza, abogada especialista en temas ambientales; Jhon Narváez, actor y gestor cultural; Moisés Álvarez, director del Museo Histórico y yo, que no había tenido nunca contacto con la autora y llegué a ella porque, cuando leí el libro, me motivé a hacer un par de lecturas en voz alta en mi cuenta de Instagram.

 Irina Junieles también debía estar presente esa tarde, pero tuvo algunos inconvenientes con su salud que le impidieron asistir físicamente, sin embargo, ya nos había dado la pauta de cuál sería el camino que tomaría la conversación. Ella concertó con cada uno de nosotros el tema del que hablaríamos y estableció el orden de la participación, aunque al principio teníamos sobre si este experimento iba a resultar, al final terminó superando todas las expectativas. 

Esa tarde, se llevó a cabo una charla entre gente curiosa, muy afectuosa y que abarcó todos los temas que plantea el libro, pero que principalmente, nos dio la oportunidad de hablar de lo importante que es tener una mirada desde los estudios de género y la teoría feminista en nuestra construcción cultural.

 Rafael Bossio y Valentina Prasca hicieron el registro en video de este encuentro y aquí está disponible para todas las personas que no pudieron estar allí, para que puedan conectar con la conversación y con el libro de Nadia Celis, que sigue a la venta en librerías del país.