En 1989, cuando ya llevaba 20 años de carrera, el gobernador Ramón del Castillo le ofreció un reconocimiento. En esa oportunidad Delia dijo sobre su relación con Cartagena:

 «aunque amo al corralito de piedra creo que no hubiese progresado mucho si no me hubiese ido de aquí, agradezco su reconocimiento a mi labor, pero antes fue aplaudida y valorada en otros escenarios, ahora sólo me complace el que valoren realmente nuestro folclor, ese que nace y se desarrolla en la periferia de la ciudad”. 

El archivo de los Zapata Olivella reposa en la Universidad de Vanderbilt y es público, cualquier persona puede acceder a él.  En un manuscrito sin fecha se puede leer un texto titulado “Vida privada” en el que la misma Delia de su puño y letra da pistas para entender la forma en que nació como artista en esta ciudad. 

Desde su infancia estuvo en contacto con la literatura y el arte gracias a que su papá, don Antonio María Zapata, un intelectual liberal autodidacta, que fundó la escuela “La Fraternidad”, montaba obras de teatro en su propia casa y participaba en las celebraciones de los carnavales, decoraba carretas, inventaba versos y creaba bailes. 

Cuando Delia Zapata era una adolescente, en los años 40, vivía con su familia en el barrio Getsemaní. Frecuentaba el Mercado Público que quedaba muy cerca de su casa en la Bahía de las Ánimas y allí todo el mundo la conocía, todos sabían que era la hija del doctor Zapata.

“Dentro de la temporada que comprenden mis estudios de bachillerato, pude ser protagonista de episodios que me son inolvidables pues marcan un poco de mi vida actual”.

Pasaba la tarde en el Mercado y veía cómo llegaban, no solamente los productos que venían de las islas o de otros pueblos, sino también los músicos de instrumentos tradicionales de toda esta zona del Caribe. Se reunían a tocar, cantar, bailar y tomar guarapo. Los decimeros le dedicaban algunos versos.

“Allí se llenaron mis ojos de todo el folclor nativo, compartiendo con aquellas gentes ratos y haciéndome de amigos que se complacían contándome sus historietas, felices de mi atención, pues todos sabían que era la hija del doctor Zapata”.

En el mercado se hizo amiga también de pescadores que le alquilaban sus botes para recorrer los caños y canales. Cuenta que solamente había dos lanchas de motor que eran las que llevaban a la gente a Boca Chica, se hizo muy amiga de un capitán al que le llamaban el Diablo. Con él iban a la isla de Tierra Bomba todos los sábados. Así conoció el pueblo de Caño de Loro, donde estaba ubicado el Leprocomio.

Gracias a su madrina, entró en contacto con personas que vivían en la isla y pudo conocer el pueblo que estaba dividido en dos, de un lado el Leprocomio encerrado dentro de un muro con un solo acceso y controles para entrar o salir, y de otro la comunidad sana. Delia entraba y salía del lazareto, se hizo amiga del personal, visitaba con frecuencia a los enfermos que vivían como reclusos. 

Cuenta en el manuscrito que formó un grupo de teatro de 15 niñas con las que montaba obras de género fantástico que la madrina les conseguía. Las presentaban en el hospital y en otros municipios, y el dinero que recogían lo donaban a los enfermos. Al grupo se fueron integrando también músicos que vivían en el Leprocomio. 

Cuando viajó a Bogotá a estudiar Bellas Artes en la Universidad Nacional siguió en contacto con algunos enfermos, en especial los músicos. Se anunció que el gobierno de Mariano Ospina Pérez tomó la decisión de desalojar el Leprocomio y bombardear el pueblo de Caño de Loro en 1950 como medida sanitaria. Le llegaron las noticias y cuenta que le hicieron una despedida muy sentida, en la que las personas se expresaron de una manera muy afectuosa, se conmovió muchísimo de escucharles. Pudo sentir esa pérdida temprana de algo que era tan importante. Todo el arte nace de una pérdida, toda la obra y todo el trabajo de una artista es el diálogo con eso que se ha perdido. 

Se dice que quinientos enfermos de lepra fueron trasladados al lazareto de Agua de Dios, algunos no se quisieron ir y prefirieron matarse en lugar de abandonar el lugar; Delia fue testigo de esa dolorosa ruptura y ahí tomó conciencia de lo que significa su trabajo como artista. 

“Yo vivo con ese recuerdo. Creo que había nacido la artista y desde aquel entonces empezaron mis primeros pasos de pertenecer a un público”. Este hecho trágico del cual fue testigo, dejó una huella que la acompañaría toda su vida.

El Leprocomio de Caño de Loro había sido construido en 1790 por el ingeniero militar español Antonio de Arévalo. En los bombardeos del 21 al 24 de septiembre de 1950 se destruyó el Lazareto, su iglesia, las viviendas de los leprosos y el pueblo entero con el fin de evitar el contagio de la enfermedad. 

Manuel Zapata Olivella publicó en 1990 su autobiografía en el libro “Levántate Mulato. Por mi raza hablará el espíritu”. En ella cuenta una escena de los dos hermanos que sirve para entender la determinación de Delia de dedicarse a la investigación y creación en las danzas tradicionales. 

En 1951 se presentó en el Teatro Heredia el Ballet de la bailarina e investigadora afroamericana Katherine Dunham que vino a Colombia a mostrar su trabajo en Cartagena, Medellín, Cali y Bogotá. Delia y Manuel fueron a ver la función y desde la galería del teatro tuvieron una experiencia estética transformadora:  

“Nos había transmitido su mensaje ancestral. En esa noche a través de su danza vibrante y del eco de sus tambores, recorrimos siglos y siglos por el doloroso camino de la trata de esclavos que no pudo silenciar los cantos ni encadenar el ritmo de los africanos.  Allí nació la decisión de Delia por consagrarse al culto de la danza. La teoría, la hipótesis de cómo hacerlo, jamás la pensó antes de ejecutarla. Tan solo dejó que el sentimiento y el ritmo se derramaran”.

Calenda fue el primer conjunto de danzas folclóricas que fundó Delia. Los ensayos empezaron en una antigua gallera de la Calle del Espíritu Santo en Getsemaní. Esto también lo cuenta Manuel en su libro. Luego su hija Edelmira Massa continuaría con la misión de dirigir y formar a nuevos bailarines en la agrupación. En Cartagena hay todavía un grupo considerable de bailarines que fueron formados por Delia y Edelmira, que son portadores del legado y que no pueden dejar morir esa manera tan especial de enseñar, de crear y de vivir. 

El año Delia en Cartagena puede ser la oportunidad para que la ciudad honre el legado de esta gran artista con producciones de danza, murales, exposiciones y toda clase de homenajes para que no quede ninguna niña o niño que no sepa quién fue Delia Zapata Olivella y que su herencia siga viva para vencer al olvido que todo lo borra. 

Catalina Vela Becerra

Historiadora y Gestora Cultural. 

Maestrante en Estudios literarios y escrituras creativas. 

Archivo de la Universidad de Vanderbilt
https://mzo.library.vanderbilt.edu/dzo

Entrevisté a Juan Rogelio Franco Hernández, fundador y director del grupo Zambo Teatro. Miembro de ADITEICAR, Asociación de Teatristas de Cartagena. 

Catalina Vela: Rogelio hoy estamos La sala de teatro Reculada del Ovejo, en el centro histórico de Cartagena en la bóveda N.1 del Baluarte de San Lucas. Cuéntame un poquito este espacio ¿cómo funciona y qué actividad tiene? 

Rogelio Franco: En el año 2000 decidimos hacer una temporada de teatro o retomar las temporadas de teatro que se habían hecho otros años por iniciativa de Alberto llerena y Jaime Díaz Quintero pero siempre habíamos hablado que necesitábamos un espacio con las personas que tuviéramos el mayor grado de tolerancia entre nosotros. 

En el año 2000 Carlos Ramírez y el Maestro Alberto Llerena se acercaron a la Sociedad de Mejoras Públicas, ahí estaba la doctora Claudia Fadul y otra funcionaria, ellas decidieron darnos este espacio porque justificamos el porqué este espacio era importante revitalizarlo. Era un espacio abandonado. 

Los primeros dos años se hacían pequeñas presentaciones pero ya a partir  del año 2003 fue cuando comenzamos a mantener una programación permanente todos los viernes y los sábados. Fuimos concertados con el Ministerio de Cultura a partir del 2004  y desde ese año hemos tenido altibajos con el Ministerio pero no decaemos, siempre hemos estado en presentaciones constantes viernes y sábado.  A veces le damos la oportunidad a otros grupos que nos dicen. 

Con la escuela de Bellas Artes hemos tenido un buen acercamiento, a veces presentan acá sus resultados del último semestre o de los diferentes semestres. Grupos invitados de otras ciudades que han venido acá siempre quieren venir a la sala de teatro Reculada del Ovejo de aquí de Cartagena.  

Hemos tenido altibajos como todos porque esto es una asociación, la Asociación Distrital de Teatristas Independientes de Cartagena, ese fue el nombre al cual llegamos y bueno ese sueño se cumplió, para casi todos los teatreros de ese momento: Jaime Díaz, Alberto Llerena, Roberto Ríos, que ya murió mucho antes de que me entregaran el espacio, Carlos Ramírez, Jorge Naizir, que es como somos como de otra década y mi persona. En esa lucha también estuvo Iván González, gracias a que Iván González estuvo en el Ministerio de Cultura nos aprobaron la primera temporada de teatro cartagenero y a partir de ahí pues seguimos nosotros realizando proyectos y trabajando sin o con el apoyo institucional, siempre nos mantenemos aquí en este espacio presentando. 

CV: ¿Desde cuándo está funcionando y cuál es la línea de trabajo que tú manejas en tu grupo?

RF: Bueno yo vengo del Teatro Estable del Aguijón, puedo decir que mi maestro fue Carlos Ramírez, porque con él fue que aprendí todo este proceso, pero él se encaminaba más hacia la comedia y yo leía otras cosas y siempre pensé en hacer un grupo que planteáramos las cosas un poquito diferente a como las planteaban algunos grupos.  

En 1994 nace la idea de formar un grupo porque me independizo de Carlos. Ahí, trabajaba con la Universidad Jorge Tadeo Lozano y bueno mucha gente que me conocía me dijo que querían estar en un grupo. Dentro de esos había jóvenes que acaban de salir del INEM, entre esos está John Jairo Narváez y tres jóvenes que pertenecían a la Universidad Jorge Tadeo Lozano, del grupo de teatro que yo dirigía en ese momento. Ahí nace la idea de de iniciar un grupo, pero yo digo que antes de un grupo tenemos que trabajar haciendo talleres y nacen esas 2 ideas paralelas: los talleres de Zambo Teatro, que son procesos de formación teatral y el grupo de planta que son los que más experiencia tienen, con los que hay un poquito más de rigurosidad en cuanto al trabajo escénico.  

Entonces en 1994 comenzamos con una obra que se llama “La barca sin pescador” de Alejandro Casona. Ese fue nuestro primer reto porque ya todos querían hacer teatro, -ya está bueno de talleres Rogelio, nos tienes cansados-  y bueno con eso nos ganamos una beca, pero la beca la comenzamos a ejecutar en el 98 eso fue con el concurso de Colcultura porque el Ministerio no existía y eso lo manejamos con los fondos mixtos y con esa obra hicimos una gran labor en la ciudad.

Ellos me preguntaban -¿por qué tanto texto?- y yo le decía, mi idea es la palabra; cuando un dramaturgo escribe algo a través de la palabra es porque quiere transmitir un mensaje, ya nosotros veremos en la puesta en escena cómo lo transmitimos, pero la palabra es fundamental.  Como dicen los religiosos, tiene poder, el poder de la palabra. A través del teatro vamos a cambiar ciertas estructuras de las personas y del mundo, de la sociedad; el teatro es transformador. 

 Entonces vamos a comenzar por ahí, por textos que sean ricos en la palabra y me parece que el texto de Alejandro Casona lo da. Yo era un asiduo lector de Alejandro Casona y del teatro español. Me gustaba lo de Tennessee Williams pero me parecía que era demasiado, como la película de Joe Arroyo bien absorbente. La obra de Alejandro Casona era un teatro duro fuerte.  Siempre me ha gustado el teatro duro, que muestre la realidad y que el teatro puede transformar de alguna manera esa realidad.

Después seguimos con un texto que ya es una dramaturgia mía a partir de diferentes textos. Me gusta recoger diferentes historias y hacer dramaturgia de esas diferentes historias y creamos una cosa que se llama “Así como me lo contaron”, de varios textos de Pablo Neruda, de libros de historia, era sobre la conquista. Fue una obra muy hermosa, muy chévere. Ganamos un pequeño premio en esa época; lo invertimos todo en vestuario y en unos tanques. 

Y seguimos trabajando precisamente en textos en donde la palabra es para mí lo principal. Después de todo ese proceso, en el 2000 monté un trabajo que se llama “Las Muñecas que hace Juana no tienen ojos”, de Álvaro Cepeda Samudio. Como a mí me gustó mucho la literatura del Caribe conozco mucho de algunos procesos.

Ahora estoy leyendo a Zapata Olivella. Tiene unos textos hermosos que no son para teatro pero que son son escritos como si fuera para teatro y son fáciles de adaptar desde el punto de vista dramatúrgico, quiero en cualquier momento con Zambo Teatro montar uno de esos textos.  

En “Las muñecas de Juana no tienen ojos” hicimos un buen trabajo. Las 3 mujeres luchaban fuertemente a través de sus reflexiones de cómo salir de esa casa, el encerramiento en que estaban y cómo liberarse no solamente del encierro físico sino mental. Liberarse e irse para otro lugar pero era un encerramiento mental realmente.  Entre las 3 actrices estuvo la gran poeta Margarita Vélez.  

Después montamos un texto a partir de La maestra, de Enrique Buenaventura; yo le puse “Desplázate” sobre esta cuestión que vivimos durante muchos años con el desplazamiento. Hice unas intervenciones de ese texto, retomando unos textos de de de Mario Benedetti 

Eso fue con el grupo escuela, ellos se mantuvieron durante muchos años, algunos se fueron; tengo la facultad de que formo gente para que se vaya a alimentar otros grupos, a buscar nortes diferentes. Yo digo que ya tienen tiempo conmigo, ya aprendieron lo que tienen que aprender conmigo, ahora tienen que aprender con otras personas. 

En el 2005 monté un trabajo que se llamaba Desconéctate, que si es totalmente dramaturgia mía. Es una historia futurista de 2 jóvenes que están conectadas a unos aparatos porque son muy rebeldes. La presenté en la Agencia de Cooperación Española hace muchos años. Las dos actrices se fueron a estudiar en Bogotá Artes Escénicas la Universidad Pedagógica Nacional. Alba Villamil y Sandra que ahora es docente de teatro aquí en Cartagena. 

Monté una obra con una beca que me gané con el IPCC. Yo siempre comienzo a hacer montajes sin pensar en que me voy a ganar una beca, porque nuestro proceso es hacer montajes por un objetivo y mi objetivo era rendirle un homenaje al maestro Alberto Llerena con una obra que ha sido una de las obras que más se ha montado en Cartagena, que es La Visita; pero también quería hacerle un homenaje a un autor que ha sido un poquito olvidado que es el maestro Régulo Ahumada y montamos una obra que se llamó El hombre X, entonces hice 22 montajes de micro teatro por decirlo así, o de teatro breve. 

La primera vez que fuimos a Bogotá fue con de con Desplázate, después fuimos con Desconéctate y después fuimos con estos dos montajes de Teatro breve. Lo presentamos en un barrio que tiene un teatro hermoso en Bogotá, es un teatro de una comunidad muy chévere en Bogotá. Nos trataron de maravilla; se sorprendieron  de que acá en la costa hubiese teatro de buen nivel. Sobre todo de Cartagena, porque se piensa que acá no hay teatro y fuimos bien acogidos.

El grupo se me descompone un poco pero en el 2014 estuve trabajando en una comunidad que se llama Villa de Aranjuez. Un muchacho que estudiaba lingüística y literatura en la universidad de Cartagena me conoce ahí y me dice -tú eres el preciso para hacer esta lectura aquí en Villa de Aranjuez- y me presentó un texto que se llama 155 Ejercicios fallidos para Mujeres, que lo acabamos de presentar el viernes pasado en la sala de teatro de Kissis. 

Ese proyecto me permitía ir a diferentes estratos sociales; después fui al Pie de la Popa, después fui a Manga y después fui a Bocagrande. Hacía la lectura y encontraba las mismas respuestas: que eso era imposible, que los hombres no maltrataban de ese modo a las mujeres… y sí lo hacen y peor.  Entonces llamé a Ángel y llamé a una chica que terminó de Bellas Artes y comencé ese proceso de puesta en escena. Había un joven aquí de Bogotá que salió del Teatro Libre, le dije que si quería trabajar conmigo, me dijo que sí y rescaté una niña muy buena del colegio Elyon Yireh, donde yo daba clase de teatro.

En el año 2018 encontramos dos textos; estaban dentro de los de lo que yo siempre he hablado de ellos: la palabra, que fue un texto de un mexicano que tienen que ver con la los inmigrantes y el texto de la obra que tenemos ahora que se llama Caminante de Tito Estrada Amador, que es de Honduras. 

Tito Estrada Amador me dice – yo estudié en la Escuela Nacional de Arte Dramático de Bogotá- que chévere, me dio autorización -haz con ella lo que quieras-  y comenzamos ese proceso.  Hasta hoy la tenemos vigente todavía. Pero en ese proceso ellos querían que montáramos cosas también livianas, que no fueran tan densas y montamos una obra que se llamó Las Ratas, una obra ligera, una comedia y la de Tito Estrada Amador es una obra de farsa. Y montamos Música de Piedra que es de un autor español, pero la adaptamos mucho el contexto nuestro, enmarcada en los años de rock and roll los 50s y 60s porque es la música de siempre. 

Estamos trabajando una obra de corte histórica que es el Taller del maestro Simón, que es una recopilación, una investigación que yo hago con los libros de historia y algunas cosas que leí de Eduardo Caballero Calderón sobre el 20 de Julio. 

Cuando se hace la expulsión del gobernador Montes 35 días después, se da lo del florero de llorente en Bogotá, entonces la lucha independentista comienza en Cartagena con la expulsión del gobernador Montes y yo decidí entonces poner ese nombre que estaba ahí en ese texto del 20 de Julio y le puse El taller del niño Simón, pero recreando lo que sucedió acá con la con la expulsión del gobernador Montes. Eso es el nuevo montaje que estamos haciendo nosotros en este momento. 

CV: ¿cómo llega al teatro a ti, desde la infancia o en la juventud? ¿cómo te encuentras con eso? y ahora que hablaste de Zapata Olivella precisamente en Levántate Mulato, que es la autobiografía de Manuel Zapata Olivella cuenta que él y Delia fueron a ver en el Teatro Heredia, en la galería del teatro Heredia, a Katherine Dunham, que era una coreógrafa, bailarina, antropóloga afroamericana que se recorrió todo el Caribe estudiando las danzas y los ritmos y las músicas y cuando ven eso Delia ahí dice:

Esto es lo que tenemos que hacer, claro tenemos que crear un grupo, una compañía para representar las danzas y los ritmos.

Yo pienso en eso cada vez que leo ese fragmento, de hecho esa es la motivación un poco de este podcast, yo me imagino a Manuel y a Delia jovencitos yendo al teatro. 

¿Tú podrías identificar algún momento así parecido o que haya provocado en ti ese esa necesidad o esa vocación para el trabajo en el arte?

Estaba en cuarto de primaria en el colegio San José, en Maicao, porque mi papá se fue para allá, para La Guajira. Lo mandaron a trabajar por allá y mi mamá era una negra altísima; mi papá era blanco, más blanco que tú, chiquitico y se enamoró de su negra y andaban con su poco de hijos. Cuando iba mi papá iba ella y a mi me pusieron en un colegio que se llamaba Paulo Sexto, en  Maicao. Yo era un payaso, de esos niños que hacen reír a todo el mundo porque le mamaba gallo todo el mundo, a los profesores, y me castigaban porque me burlaba, hacía bulling,  inclusive hasta a los adultos les hacía bullying. Entonces le ponían sobrenombre a todo el mundo. 

Un día el profesor García Villarreal me agarra por la oreja -hoy es el día en que va a hacer reír de verdad verdad a la gente-. Junto con otro que era amigo mío, que era un payaso también, nos llevó a un barrio que quedaba del lado opuesto del colegio, lejos, Barrio El Carmen. Era un payaso retirado de circo. Yo por primera vez conocí un texto, un libreto, y nos dijo -aquí hay cuatro números, vamos a montar estos cuatro números-  y eso para mí fue una cosa impresionante, porque vi que todo se escribe,    -sí, todo eso hay que escribirlo para que aprendan a hacer las cosas que vamos a hacer- y comenzamos. Primero nos enseñó cómo se hacen los gags, nos enseñó todo lo que hacía. Cuando presentamos eso el el rector lloraba y la gente se reía, o sea las mamás lloraban, mi mamá llorando, porque es que una cosa es hacer el payaso pero esto es otra cosa. 

Entonces mi padre me manda a estudiar a Cartagena, aquí que es nuestra tierra.  

Yo estudié en el colegio La Esperanza. Estaban haciendo Otelo y yo me le acerqué al profesor,  -pero este Otelo es blanco, Otelo debe ser negro yo lo puedo hacer-. Lógicamente él se burló de mí porque yo lo que hacía era segundo de bachillerato, – tú todavía tienes que entrar primero y conocer-  Yo no sé qué pasó, pero algo pasó que el muchacho se ha lesionado, le salió un esguince, faltaban 15 días para estrenar la obra y yo me la sabía de tanto ver los ensayos, yo movía, aquí movía acá y me dice -no tenemos más opción, toca coger al negro-,  e hice Otelo. 

Carlos Ramírez va a ese Colegio y ve Otelo y me ve a mí y me dice -y por qué no vas al TEUC, el Teatro Estudio de la Universidad de Cartagena-. Pero el TEUC tenía dos grupos: el que manejaba Jaime Díaz, que eran los principiantes y el grupo que tenía otro nivel, que era el que manejaba Carlos Ramírez. 

Pero a mí me expulsaron del colegio la esperanza junto con Iván González, porque éramos muy tremendos y yo me voy para el Liceo Bolívar, de hecho yo me hice expulsar porque yo quería irme para el Liceo Bolívar porque veía la huelga, la cosa, yo quería saber ¿qué era eso, por qué eso?. Entro en el Liceo Bolívar y bueno me vuelvo popular en el Liceo Bolívar por el teatro. Una vez veníamos en una huelga y entramos a la Universidad de Cartagena y ahí me encuentra Carlos y al día siguiente llegué a los ensayos. 

Y yo entro al TEUC y me dice, -ah no pero tú vas a entrar en el TEUC B-,  yo no sabía que era.  Eso era de Jaime. A la semana de yo estar en el TEUC él me dice- ven acá muchacho…e´rda mijo-, yo dije yerda no sirvo para esta vaina, -yo creo que tú te vas a tener que pasar, vas para el grupo A porque tú eres muy bueno- .

Y me fui pa’ donde Carlos, ahí pasó una obra que se llamaba El Espantapájaros. El TEUC tenía esa cosa de ir a diferentes barrios y nos presentamos en el barrio Canapote, en Santa Rita. Del TEUC pasé el Teatro Estable de Aguijón con Carlos Ramírez con una obra que se llamaba El Ollantay. 

Sucedió algo maravilloso; yo era un personaje sencillo, yo simplemente llevaba un mensaje -aquí mandaron un mensaje de señor, aquí traigo el kipo- , el kipo era un elemento que utilizaban los incas donde estaban los mensajes. No hacía más nada, yo salía una o dos veces al escenario y el que hacía de papel de Rumiñahui se ha caído y se ha partido un pie y faltaban 15 días para irnos para Bogotá. Porque ya habíamos clasificado al regional y habíamos pasado al nacional y tocaba sacarlo -no tenemos más alternativa, Rogelio ¿ya te sabes el texto?-yo le dije sí-  y comencé a hacer el papel de Rumiñahui en El Aguijón. 

Una de las cosas que más me motivaron para quedarme en el teatro es que yo voy a a ese Festival en Bogotá y veo un trabajo que se llamaba Búfalo Bill, y veo al Teatro La Candelaria y después veo al Teatro Libre y después veo al TEC de Cali y yo dije esto es lo que yo quiero hacer. Este es el teatro que yo quiero hacer 

Me independizo del Aguijón y en el 1994 comienzo con el proceso con mi propio grupo que es Zambo Teatro, Zambo Teatro. El nombre no nace porque sí. Comenzaron a salir nombres, yo le he dicho a los compañeros -busquemos algo que haga parte de nuestra identidad, que esté olvidado de alguna manera.  Los cruces les dije yo, entonces comenzaron: el blanco con el negro da mulato y el Zambo es entre el indio y el negro, pero averigüemos otros significados de Zambo, y comenzaron a investigar. En la India los que cargan, por decir aquí los coteros, les dicen Zambos, también le dicen Zambos a los que tienen las piernas unidas con las rodillas y comenzamos a investigar y definitivamente nos quedamos con eso, que el Zambo hace parte de nuestra identidad, pero no es… o sea no tiene relevancia y bueno, listo, nosotros le vamos a dar la relevancia. 

Y fundamos Zambo Teatro con esos jóvenes con Carlos Ramírez, con Alvarado, con Salcedo, con Flor de Liz, con Beatriz Medrano, Flor de Liz hoy día es la titiritera de Trotasueños, con Beatriz Medrano, Jhon Jairo Narváez… ya bueno recuerdos de esa época 

Y ese ese festival fue el que me marcó a mí para seguir haciendo teatro. 

Con el Cuarto Bate, que fue uno de los últimos montajes en que trabajé con Carlos, cuando fuimos a Manizales, al Festival Internacional de Teatro de Manizales, pues también es un marco más y mi propuesta, porque vi una obra de puro texto, de puro texto, o sea no había acciones casi, la acción era la palabra y yo me identifiqué con eso porque dije nosotros en el Caribe hablamos mucho, sí cierto y nos movemos, la palabra aquí tiene un valor, es grande entonces eso comenzó como acá a a burbujear a salir burbujas en mi cabeza. 

Dije -el teatro que yo voy a hacer va a venir marcado por esa línea, pero con con un mensaje, con un objetivo claro, que es lo que quiero hacer: adaptar obras universales  al Caribe.  Y entonces eso fue lo que más o menos me marcó, me motivó.

Extracto de la entrevista realizada para el episodio del podcast Cultura Sin Filtro: Una mirada al Teatro Adolfo Mejía

Nos brindaron la oportunidad de aportar, a través del arte y el lenguaje de la fotografía, a la construcción de paz y a la visibilización de los procesos de liderazgo de las mujeres que hoy están aquí reunidas.

Gracias a todas ellas, y también a sus familias, por venir y llenar este espacio de mujeres poderosas.

Este proyecto nos llevó a recorrer Cartagena y a mirar la ciudad desde los ojos de sus protagonistas: las mujeres. Pudimos reconocer la realidad de quienes la habitan, más allá de la postal turística, las playas o la arquitectura colonial. Cartagena es, esencialmente, las historias de las personas, y especialmente de las mujeres que día a día construyen este territorio.

Las fotografías que van a ver fueron tomadas por Rafael Bossio y son el resultado de un proceso previo de laboratorio creativo que realizamos en el Museo de Arte Moderno. Durante tres sesiones trabajamos en torno a la imagen, la representación, las emociones, el cuerpo y la identidad. A partir de allí, cada mujer fue dando forma a su propuesta:

qué quería representar

cómo quería que eso sucediera

en qué lugar 

en qué contexto 

a qué hora del día

quiénes serían los personajes

cómo estarían vestidas…

Cada foto fue pensada antes de ser tomada, que es como nos gusta trabajar en Imagina Cartagena Lab. Rafa nos ha enseñado que la fotografía se construye antes del disparo, y eso se refleja en esta exposición: cada imagen tiene una intención clara de lo que se quiere decir.

Hoy nos encontramos en el Centro de Formación de la Cooperación Española, en este evento de celebración, después de una primera inauguración en la Biblioteca Pública del Centro Cultural Las Pilanderas, en el barrio El Pozón. Allí vivimos un momento íntimo en un círculo de la palabra que abrió el camino de esta exposición, que ahora continuará hacia Madrid.

Pero no podemos pasar por alto que estas fotografías muestran fragmentos de la vida de mujeres en una ciudad que no siempre es segura para ellas ni les ofrece las garantías necesarias para desarrollarse personal y profesionalmente.

Cada foto, como dijo Rafa recientemente, plantea un conflicto o una problemática, pero también sugiere una solución. Porque la solución está en la gente, en sus iniciativas y en las formas creativas de lucha colectiva con las que reclaman el lugar que les corresponde.

Aquí están representadas mujeres víctimas de desplazamiento, del conflicto armado, sobrevivientes de violencias basadas en género, de la discriminación y del racismo. De ahí surge el nombre de Cartagena Resiliente.

Nunca como ahora había comprendido con tanta profundidad el sentido de esa palabra: resiliencia. Después de conocer a este grupo de mujeres y de ver la generosidad con la que compartieron sus historias y sus estrategias de supervivencia, nos llevamos su alegría, ternura, cuidado y, sobre todo, dignidad.

Este proceso de creación colectiva ha sido profundamente enriquecedor para nosotras. Espero que también lo sea para ellas, y para quienes se acerquen a contemplar estas imágenes.

Cuando recibí la llamada de Irina Junieles, invitándome a participar en la presentación del libro de Nadia Celis titulado «Crónica de un amor terrible», no lo podía creer. Había leído el libro de Nadia en marzo y aún sentía viva la mezcla de sensaciones que me produjo esta lectura, el asombro por conocer cómo se había gestado no solo la historia original de «Crónica de una muerte anunciada» de Gabriel García Márquez, sino también los caminos que tomó el lanzamiento de la novela en 1981, treinta años después de los sucesos reales que dieron lugar a la ficción. 

Para quienes se interesan en este tránsito de ida y vuelta entre la realidad y la invención, este libro satisface esa manía de ir levantando capas para tratar de llegar al corazón de la verdad.

 El evento se programó para la tarde del 13 de julio en la huerta del Museo Histórico de Cartagena. Irina y Nadia quisieron que en esta conversación estuvieran presentes varias voces que pudieran dar una mirada amplia y compleja de la lectura de su libro. En el flyer de la invitación aparecían los nombres de Mercedes Posada, directora del programa de Comunicación Social de la UTB; Olga Cabeza Meza, abogada especialista en temas ambientales; Jhon Narváez, actor y gestor cultural; Moisés Álvarez, director del Museo Histórico y yo, que no había tenido nunca contacto con la autora y llegué a ella porque, cuando leí el libro, me motivé a hacer un par de lecturas en voz alta en mi cuenta de Instagram.

 Irina Junieles también debía estar presente esa tarde, pero tuvo algunos inconvenientes con su salud que le impidieron asistir físicamente, sin embargo, ya nos había dado la pauta de cuál sería el camino que tomaría la conversación. Ella concertó con cada uno de nosotros el tema del que hablaríamos y estableció el orden de la participación, aunque al principio teníamos sobre si este experimento iba a resultar, al final terminó superando todas las expectativas. 

Esa tarde, se llevó a cabo una charla entre gente curiosa, muy afectuosa y que abarcó todos los temas que plantea el libro, pero que principalmente, nos dio la oportunidad de hablar de lo importante que es tener una mirada desde los estudios de género y la teoría feminista en nuestra construcción cultural.

 Rafael Bossio y Valentina Prasca hicieron el registro en video de este encuentro y aquí está disponible para todas las personas que no pudieron estar allí, para que puedan conectar con la conversación y con el libro de Nadia Celis, que sigue a la venta en librerías del país.

Una hora antes de dar inicio al evento que habíamos convocado para homenajear al poeta Raúl Gómez Jattin, en la plaza de la Artillería hacía un calor de tarde de mayo, todos teníamos cara de sol, esa que nos deja un gesto de amargura y fatiga, pero era domingo y en la Galería Libro Café había agua, café, vino y cerveza para todos y el entusiasmo se nos salía por los poros.

Un mes antes le había dicho al equipo de Imagina Cartagena Lab que quería retomar este evento, que había nacido en 2017 cuando se cumplieron 20 años de la muerte del poeta, y que siempre ha sido un pretexto para encontrarnos alrededor de la poesía de Raúl que nos sigue conmoviendo y movilizando.

Voy a contar esto como si fuera un acontecimiento épico, extraordinario y sorprendente, porque hacer eventos culturales autogestionados en nuestra ciudad y que sean abiertos a todo público se volvió una proeza, y porque creo que lo que hicimos merece todo el reconocimiento, no solo por lo bien que salió, si no por el aporte inmenso de amor y profesionalismo que cada uno puso en la realización de esta acción. 

Desde el principio supimos que para armar este encuentro debíamos llamar a las amigas y los amigos que en el último año han estado cerca y sienten devoción por la obra de Raúl. También porque confiamos en su capacidad de trabajar conjuntamente por un objetivo, dejar a un lado sus intereses particulares y entender que hay cosas que están más allá y por encima del dinero. 

Fue así como decidimos conspirar junto con Katherine Osorio de Muévelas, una iniciativa que se ha propuesto acercar los lenguajes de la poesía y el movimiento; con Julio Villadiego Cubides y Mafe Higuera de El Lugar del Poema, un colectivo de jóvenes que aman la poesía y las artes; con Egling Meriño de Urban Sketcher, un parche de dibujantes que circula por la ciudad con lápices y libretas de bocetos; con Emanuel Julio, músico y productor de Gente Rara, que además traía de cómplice a Ronald de la Rosa y con la cantante Luisa Ochoa, una de las voces más bellas de Cartagena.

Recuperamos los archivos de la ilustración que había hecho Kike Sierra en 2017 para la primera versión de este evento que se realizó en el restaurante La Tumbamuertos en el barrio San Diego del Centro Histórico. Hubo una segunda versión en 2018 en la plaza y 4 años después lanzamos la invitación a Buscando al Putas por nuestras redes sociales. 

Cuando se armó este combo y le pusimos fecha: domingo 28 de mayo de 2023, decidimos hablar con Laura Vega para proponer hacer el encuentro en la Galería Libro Café, propiedad de sus padres, Eparkio Vega y Carmen Ana Santos quienes fueron amigos cercanos del poeta Raúl, y podría decir que esta fue la mejor decisión para la organización de este encuentro, pues sería ahí en ese lugar que Raúl frecuentaba, donde danzaríamos todxs con voces, cuerpos y poesía 

Recordamos las palabras de Carmen Ana que citó Heriberto Fiorillo en su libro Arde Raúl:

“Hacía dibujitos por la calle, se presentaba descalzo todas las tardes a nuestro café. Se sentaba a mecerse, encantado, en una mecedora. Eparkio le hacía masajes en las manos y en los pies. Siempre fue muy especial con nuestra hija Laura. Le daba plata, pero yo le decía que no lo hiciera, que no estaba bien. Llegaba a la casa y se comía con suero todo el cucayo. Para nosotros fue siempre el amigo y no el poeta famoso”. 

Al día siguiente de este evento el país entero conoció la noticia de la muerte de Heriberto Fiorillo en Barranquilla, de modo que este encuentro sirvió también como un homenaje para él ya que es gracias a la investigación periodística que hizo para este libro, sin haber conocido personalmente a Raúl, que decidí llamar a este evento Buscando al Putas. 

Y fueron llegando todxs y trajeron guitarras, micrófonos, cables, cámaras, trípodes, consolas, libros y cuerpos, ojos, bocas, brazos, piernas, caderas, rodillas, corazones y voces. La poesía nos había unido y nos hacía sentir fuertes y seguros. Recuerdo que en un momento le dije a mi amigo Fabián Álvarez, fotógrafo, que también acudió a cubrir el evento –¿en qué momento armamos todo esto? ¿De dónde salió toda esta gente? – y él me respondió -es una gran suma de voluntades-. 

Nuestro equipo de Imagina Cartagena Lab estaba firme, Laura Romero sería la presentadora, Kevelyn Ravelo haría cubrimiento para redes, Rafael Bossio estaría haciendo registro de video,   

Ricardo Ramirez en la fotografía y yo que me había inventado todo esto, estaba produciendo la que sería una de las tardes más alegres de mi vida. 

Cuando vimos llegar a la Galería a Eparkio y Carmen Ana todos nos sentimos abrazados por su generosidad y fuimos conscientes de lo especial e inolvidable que sería este encuentro.

Alcanzamos a hacer un ensayo técnico con los micrófonos y sentimos una mezcla de nervios con ilusión. Un par de apuntes, indicaciones de última hora, correcciones, abrazos, miradas de complicidad y el público ocupó todo el espacio.

Iniciamos con la lectura colectiva de la carta que Jaime Jaramillo Escobar X-504 le mandó a Raúl en septiembre de 1983 después de que leyera su primer libro: Poemas. 

“Pero tú eres el viento, eres un potrillo, eres el río que arrasa, no limitas con nada, no tienes cuñados en el cielo, no tienes participación en la bolsa de valores, eres un bruto, eres Atila, eres el mismísimo Adán, Dios en persona completamente loco deshojando los bosques y tirando las hojas al aire, eres el ciclón, la barriga pelada, el escándalo furioso, todo lo que yo no soy ni hay aquí poeta que lo sea, eres el fauno, el unicornio, el centauro, el volcán, ¡eres el putas!”

Esta lectura se logró armar gracias a la colaboración de otro grupo de jóvenes del taller de poesía Héctor Rojas Herazo: Jesús Daniel Osuna Martínez, Edgardo Manuel Diaz Osorio y Jerónimo de la Espriella González. Con tan solo 3 ensayos nos lanzamos al ruedo para leer en voz alta para otrxs, que es, según Irene Vallejo” el acto de amor y generosidad más bello que podemos compartir”.

Siguió la intervención en el espacio de Muévelas con cinco poemas de Gómez Jattin que había preparado Katherine con Manuel Díaz: Lola Jattin, Conjuro, La soledad de Gómez Jattin, Amarrado y Cereté de Córdoba. Los danzantes fueron Carlos Trillos, Andrea Carolina García, Melissa Cenut, Sebastián Camilo Portela y Angelina Paz, quienes se tomaron todo el espacio de la plaza de la Artillería moviendo sus cuerpos y sus emociones al son de las palabras del poeta. 

Pasamos al momento del micrófono abierto para todxs lxs amantes de la poesía de Raúl, la participación del público trajo al espacio la polifonía de las voces de jóvenes, fue un momento conmovedor, pues sabemos que el amor por Raúl y su poesía es un amor compartido que nos une. 

Cuando estoy produciendo estoy muy pendiente de cómo está el público, cómo se siente, cómo se ve, cómo se oye y no solo en relación a lo técnico, sino sobre todo a esa sensación colectiva de ser parte de algo único. Pude sentir y conectarme con el público para disfrutar con momentos memorables como el de la dedicatoria de una joven mujer a un amor que se ha ido del poema Conjuro, o la interpretación sublime de Erick Molinares de Ombligo de Luna, o la participación de Cindy Herrera, Jesús Buelvas, Karen Gaviria, lxs integrantes del taller de poesía Héctor Rojas Herazo o las palabras que nos regaló la pintora Bibiana Vélez quien fue una de las mejores amigas de Raúl, ella habló de la música que escuchaba con Raúl, la descarga de Richie Ray y Bobby Cruz, la música cubana de Celina y Reutilio y el infaltable Joan Manuel Serrat. 

Siguió en el micrófono la interpretación musical de la cantante y compositora Luisa Ochoa quien nos trajo los poemas musicalizados: Las nubes, El corazón de mango y Pedrería de Asombro, para cerrar con un poema-canción de María Alejandra Buelvas llamado Corto Lamento. Nos cayó la tarde, se hizo de noche y corrió una leve brisa. 

Durante todo el evento hubo una larga mesa con un rollo de papel Kraft en el que los asistentes pudieron dejar sus trazos, dibujos y palabras para expresar sus emociones y manifestar su amor por la poesía de Raúl. Al final entre todos levantamos esta gran hoja de papel y nos despedimos del público llenos de gratitud y con la promesa de buscar los recursos para poder repetir este evento todos los años para seguir rindiendo homenaje a Raúl Gómez Jattin y llenarnos de sus palabras. 

La poesía se expande a todos los lenguajes y las nuevas generaciones se apropian de ella generando otras formas en las que se pueden expresar la sensibilidad y el pensamiento. El sentidismo, como llamaba Raúl a su forma de escribir poemas, esa capacidad de lograr decir cosas íntimas y profundas sin tantas metáforas o figuras sino apelando al sentido es lo que nos sigue permitiendo acercarnos a su voz, aunque a veces se nos escape y por eso siempre estamos Buscando al Putas. 

En nuestras reuniones de equipo en las conversaciones sobre Cartagena y la narrativa siempre terminamos hablando del turismo, o mejor, de la turistificación. Durante nuestros talleres y laboratorios con jóvenes de la ciudad, el tema va fluyendo con naturalidad, sus participantes empiezan a identificar y señalar esa sensación de estar como de “prestado” en la propia ciudad. La imagen es recurrente: esa ciudad que se muestra para el turismo no tiene nada que ver con lo que nosotros somos. 

Recuerdo mucho que durante una clase a la que nos invitó la profesora Karen Gómez, diseñadora gráfica de la ciudad, en la Universidad Los Libertadores, una de sus estudiantes nos decía que se sentía muy extraña entrando al centro comercial que construyeron donde estaba el Circo Teatro y que no encuentra allí nada que tenga que ver con ella. También comentaba que de ese lugar se podrían contar muchas cosas que hacen parte de la historia de la ciudad, pero no están reflejadas en ninguna parte de ese edificio, nos contó además, la anécdota del torero que se propuso lanzarse de una avioneta en paracaídas y caer en el centro de la plaza, pero no calculó la fuerza y dirección del viento y acabó muriendo ahogado en las playas de Marbella. 

Esa misma semana fui al Museo de Arte Moderno y encontré allí una de las obras más emblemáticas de Enrique Grau, el tríptico Panorámica de Cartagena, en el que se puede ver en el tercer cuerpo del cuadro la imagen del torero paracaidista volando sobre La Serrezuela guiado por dos ángeles que lo llevan hacia el mar. 

Todavía hay mucho más que contar sobre Cartagena por fuera del interminable catálogo de excesos, fiestas, islas, chivas y balcones coloniales. La realidad cultural y la historia de esta ciudad es mucho más rica y diversa que eso a lo que se ha reducido una oferta basada en la rumba y el consumo. 

Nuestra relación con el turismo hasta ahora, ha consistido primero que todo en ser testigos de sus efectos: analizar, criticar las malas prácticas y principalmente preguntarnos si esta industria podría ser diferente. Ante eso, un día, hartos de criticar y de esa sensación que a veces lo invade todo de “no hay nada que hacer, esto ya se echó a perder, tendríamos que volver a empezar”, decidimos levantarnos y dijimos –vamos a diseñar una oferta de productos de turismo cultural que esté conectada con lo que somos–. 

De alguna forma cada uno de nosotros ha estado relacionado con el sector del turismo de diversas formas y hemos tenido experiencias positivas en las que se ha valorado nuestro conocimiento y mirada de la ciudad, entonces lo más lógico es que ahora como empresa lo hagamos juntos y logremos también la sostenibilidad de Imagina Cartagena Lab para seguir haciendo lo que más nos gusta que es encontrarnos con la gente, hablar, ver películas, crear, soñar, hacer fotos, podcast, teatro, etc.

Siempre he pensado que lo que hacemos en el arte, tiene como uno de sus objetivos principales lograr conectar con el público local y de a pocos ir construyendo una audiencia para fortalecer algo parecido a una industria, porque no se trata solo de lo que yo como artista pueda proponer, si no de cómo participa eso de una movida local, un sentir colectivo que nos va llevando a crear un mercado. Sabemos que en Cartagena no es fácil, pero nosotras hemos hecho un camino ahí. 

En medio de nuestras actividades surgieron pedidos de personas o empresas que se interesaron por nuestra mirada de la ciudad y nos preguntaban si podíamos proponerles una forma de visitarla y si podíamos acompañarles a conocerla. Así hemos podido visitar el Mercado de Bazurto  para proponer una mirada desde las intervenciones artísticas que han tenido lugar allí, o la escuela de Tambores de Cabildo en la Boquilla, una de las iniciativas de formación en música tradicional con más proyección en la ciudad y su propuesta de turismo cultural a través de Batámbora, así como diseñar una ruta por los museos y galerías donde se exhiben los trabajos de los artistas emergentes. 

Así surgió  nuestro más reciente producto, que es una experiencia cultural a través de un taller de turbantes y trenzas dirigido por Rosa Caribe en el barrio Torices, en Casa Chambacú, un centro cultural independiente y autogestionado. Esperamos que esta iniciativa nos permita desarrollar una ruta por los barrios de Torices y Santa Rita para acercarnos a una narrativa asociada con el liderazgo de las mujeres y la importancia del desarrollo de estéticas de resistencia. 

De esa forma, de una manera totalmente orgánica hemos ido abriendo un espacio que esperamos poder afianzar este año, si lo que hacemos como parte de nuestros procesos de investigación y nuestras búsquedas es interesante para los turistas, sabremos ser los mejores anfitriones y ofrecer una experiencia de primer nivel. 

Fotografías: Rafael Bossio

Hace unos días, la Alianza Francesa de Cartagena nos invitó a participar en un debate durante La Noche de las Ideas y nos pidieron responder a la pregunta ¿El arte puede ser el medio por el cual lograremos sensibilizar y comprometer a la sociedad frente a los grandes problemas de la humanidad?

Durante un par de semanas la pregunta estuvo rondando cada una de nuestras reuniones de trabajo. Llevamos la pregunta a las redes sociales y algunos de nuestros seguidores nos dieron sus opiniones al respecto. Para recoger esta reflexión escribí este texto que ahora compartimos en nuestro blog. 

El arte, la creatividad y la participación en la vida cultural han demostrado en muchos escenarios que son poderosos dispositivos para recomponer el tejido social, para fortalecer los vínculos que propician el cuidado, los afectos y la confianza y para incentivar un sentido y pensamiento crítico de la propia realidad. También son instrumentos eficaces para sanar, aliviar el dolor y transitar individual o colectivamente hacia un equilibrio físico, mental y espiritual. La creación permite encontrar vías de expresión y liberación en los lenguajes del cuerpo, la palabra, el sonido o las imágenes. La construcción simbólica y narrativa es fundamental para encontrar espacios de consenso y construcción de memoria. 

La sensibilidad artística le permite al creador/creadora y al espectador/espectadora ahondar en la dimensión humana, entregarse a la contemplación, a la experiencia estética o la participación en un juego que tiene sus propias reglas y que ayuda a mirar con otras perspectivas la realidad. El artista interpreta la realidad para que la sociedad pueda mirarse en un espejo.

Los problemas más complejos como la desigualdad social, el racismo estructural, la violencia basada en género y la emergencia climática, se podrían tramitar a través del arte si quien produce ese arte está comprometido con interpelar a la sociedad, si está dispuesto a definir su lugar de enunciación, reconocer sus privilegios y encontrar las posibilidades de expresar y proponer.  

Un arte que se proponga ser un medio para lograr sensibilizar y comprometer a la sociedad frente a los grandes problemas de la humanidad, necesariamente tendrá que ser anti racista, anti patriarcal, y estar dispuesto a cuestionarlo todo, no solo en el lenguaje, e formato, si no desde la forma misma de concebir los procesos de formación, creación y circulación de su obra. 

No quiero decir que todas las personas que se consideran artistas deban estar en función de esto, pero si el objetivo de la creación va más allá de del deseo de expresarse o de la búsqueda de la belleza, si reconoce el poder que tienen las artes para incidir, transformar y responder a los problemas de su época, tiene que poner su mirada en cuestionar un sistema de pensamiento hegemónico, eurocéntrico, blanco y patriarcal que históricamente ha invisibilizado las voces y las demandas de los oprimidos. 

Por otra parte, para lograr este objetivo de sensibilizar y comprometer a la sociedad hay que plantearse el problema del acceso a la cultura, de las formas en las que el público ejerce sus derechos culturales y participa de estos espacios. En una ciudad como Cartagena donde la gente tiene tan restringidos sus derechos, el reclamo del derecho a la cultura parece secundario, pero es todo lo contrario, es esencial y por eso se ha convertido en un territorio en disputa. 

Y creo que este es un tema que concierne más a la gestión de la cultura, a la mediación entre el artista y su público y a la creación de nuevos públicos. Es necesario que en los espacios de poder donde se toman las decisiones de qué se programa, cómo y a quien se convoca, de qué forma se asignan los recursos, haya participación activa de los grupos poblacionales que han sido más oprimidos: personas negras, indígenas, personas trans, queer, personas en condiciones de discapacidad y toda la diversidad que compone la sociedad. 

Vivimos en un mundo donde la inmediatez reina, se buscan resultados fáciles con esfuerzos mínimos y el arte es ya en sí mismo una rareza. Que alguien se quiera dedicar a investigar y escribir durante meses o años, o a hacer una película, a componer canciones, a crear un colectivo inter disciplinar como Imagina Cartagena es una apuesta de largo aliento y es mejor si tiene un objetivo definido, algo que justifique para qué se hacen las cosas más allá de un gusto o una elección personal. Tenemos la posibilidad de participar de una revolución cultural, necesitamos conocer los medios de los que se ha valido el sistema para instalar imaginarios y de esta forma ir desmontando estereotipos excluyentes y todas las formas de violencia normalizada. 

El arte puede incidir no solo para sensibilizar y comprometer a la sociedad, sino también en llamar la atención de quienes están en el poder, aquellos que finalmente tienen la posibilidad de generar cambios estructurales mediante la implementación de políticas públicas en educación, en medio ambiente y en la destinación de recursos para inversión social. 

El arte puede iluminar, abrir caminos, proponer soluciones creativas, hasta denunciar, pero necesitamos que los y las que gobiernan se comprometan con garantizar los derechos humanos, y entre esos, los derechos culturales.  

Fotografías: Rafael Bossio

A finales del pasado mes de enero, se realizó el Hay Festival 2023 y nos dejó pensando en algunas ideas que quedaron resonando, así como en las reacciones que ha habido en medios de comunicación, en las redes sociales y en las conversaciones con amigos, amigas y colegas sobre este evento que cada quien pronuncia como mejor le suena: “JEY”, “JAY” o “HAY”. Y aunque esta fue su versión 18, nos llama la atención que muchos y muchas cartageneras no sienten conexión alguna con este evento.  

Nos ocupa especialmente el asunto del público de un evento como este, la forma en que se informa y participa de las actividades y también su interacción con la ciudad. En ediciones pasadas del Hay Festival de Cartagena había mayor presencia de estudiantes, no solo de la ciudad, si no de muchas otras ciudades del país. Estudiantes de literatura, comunicación y periodismo, ciencias sociales y artes hacían presencia en las charlas y encuentros. Es cierto que la organización ofrece asistencia gratuita a estudiantes a 10 de sus charlas, sin embargo, la participación de este sector ha disminuido notoriamente. 

Por más que se ofrecen ciertas condiciones favorables, es la ciudad misma la que es adversa a la realidad estudiantil. Estar en el Centro Histórico de Cartagena es caro y la asistencia a estos festivales representa un gasto en transporte y alimentación. Los mismos estudiantes de las Universidades que aún tienen sede en el recinto amurallado no encuentran ningún espacio en donde reunirse después de clase y construir una vida social activa que es un insumo importantísimo para la vida profesional: el capital social y cultural se adquiere en las relaciones personales, en el encuentro con los otros en el espacio público.  

En el sitio web del Hay se lee que es una organización sin ánimo de lucro que: 

“crea festivales inclusivos y para todos los públicos en los que celebramos la literatura, el pensamiento, las ideas y el intercambio entre las personas. Nuestro principal objetivo es hacer la cultura accesible para toda la ciudadanía, independientemente de su origen y edad”. 

La celebración la vivimos y la disfrutamos, pues el Hay es una fiesta de la palabra y las ideas, los discursos de sus invitados e invitadas están en sintonía con las tendencias más actuales del pensamiento global: los debates sobre la desigualdad, el racismo, la opresión del sistema patriarcal, la violencia sobre los cuerpos de las mujeres y las personas con orientación sexual diversa, la emergencia climática y el fin de la guerra, son problematizados para generar profundas reflexiones. 

En el Hay Festival se ponen en el escenario conversaciones y puntos de vista disruptivos, incómodos y sobre todo necesarios para acercarnos como sociedad al ideal de justicia, igualdad y libertad. 

En cada conferencia a la que pudimos asistir en nuestro cubrimiento como medio independiente hubo llamados frontales de panelistas a los y las asistentes a practicar el antirracismo, o la defensa de los derechos de los pueblos indígenas, de las mujeres, de las personas racializadas. Ante la pregunta constante del público sobre ¿qué podemos hacer para cambiar? La respuesta es un llamado a la acción, a la denuncia, a derribar la indiferencia, así como la exigencia de una educación para todos y todas, un diálogo más honesto con las emociones y la solidaridad con las personas menos privilegiadas. 

Durante el encuentro de Mabel Lara y Lydia Cacho para hablar del libro de la periodista mexicana, hubo espacio para conocer sus investigaciones que han logrado demostrar los nexos de la mafia con el gobierno de México y las bandas de explotación sexual de mujeres. Aproveché para hacer una pregunta que nos obligara a pensar qué estamos haciendo tan mal en Cartagena para que este panorama cada vez sea peor. 

Esa mañana por ejemplo, había un grupo de 25 o 30 niñas y niños del municipio de Santa Catalina, invitados por el proyecto de la Carreta Literaria de Martín Murillo. A la salida pude preguntarle a algunos de ellos cómo se sentían y qué habían aprendido. La respuesta fue unánime: que el machismo se tiene que acabar. En situaciones como esta es que uno ve el verdadero impacto que pueden llegar a tener estos eventos. 

Tuvimos la oportunidad de estar ahí y quisiéramos que hubiera mucha más participación del público local y que esas tres patas sobre las que se estructura la programación: el Hay Comunitario, el Hay Joven y el Hay Festival lograran no solo llevar algunas actividades a espacios fuera del centro, sino sobre todo lograr mezclar esos públicos, los que pueden pagar y los que no pueden pagar, los que llegan en avión y los que llegan en transcaribe, los jóvenes y los ya no tan jóvenes. 

La cuestión racial es esencial. Espacios como este festival y otros similares que se realizan en la ciudad deben llevar a todas las dimensiones de la planeación y ejecución la pregunta por la participación de las personas racializadas, especialmente porque en Cartagena la población afro es una de las más amplias del país. No es normal que entre el público sea tan minoritaria la participación de personas Afro. No es normal que las pocas personas negras que se ven en los recintos estén allí trabajando en oficios de logística y servicios, y muy pocas en los espacios de dirección y toma de decisiones. 

Durante los días del Hay, publiqué un tuit en el que me refería al público que estaba llenando las salas del Centro de Convenciones, el Teatro Adolfo Mejía o el Hotel Santa Clara, donde el ingreso a cada conferencia tiene un costo de $35.000 COP, que algunos dirán que es barato porque cuesta menos que la entrada a un partido o a un concierto, (como escribió en su columna de El Tiempo el profesor Wasserman, que debió leer mal el tuit) pero hay que salir de esa burbuja y pensar que no es solo la boleta lo que hay que pagar y que probablemente muchas personas requieran más tiempo para transportarse al centro que lo que pasan en el evento de una hora, y que tal vez el cálculo no sea solo económico. La gente tiene otros motivos para no participar. 

Los comentarios de las personas a este tuit me hicieron ver que el asunto es, como decía una de ellas citando a Paula Moreno ¿Quién tiene la llave? ¿Quiénes son las personas que se están quedando por fuera de estos grandes eventos culturales que se realizan en la ciudad? 

Esto me lleva a pensar en el modelo de negocio de estos festivales que se sostienen principalmente por benefactores, Cooperación Internacional, patrocinadores y en buena parte por la taquilla. Y es que poder tener la intensa actividad de cuatro días con charlas, conciertos, galas, conferencias, una programación que va desde las 10 de la mañana a las 6 de la tarde llevando al escenario a más de 180 invitados, muchos de ellos provenientes de lugares lejanos a Cartagena, es una tarea enorme. Parte de la organización del Festival se hace también por fuera de Cartagena, aunque se contrata a proveedores locales para todo lo relacionado con producción técnica y logística. 

Me pregunto si no será un buen momento para repensar el Festival y anticiparse a una situación que se puede volver insostenible y un día de estos se tome la decisión de dejar Cartagena. No queremos que se vaya el Hay que ya lleva 18 años en la ciudad. Queremos que se quede y que crezca esa participación, y que veamos a más lectores y lectoras interesadas por acercarse a sus autores favoritos, queremos ver el nacimiento de un movimiento editorial en la ciudad, queremos que las librerías y bibliotecas estén llenas todo el año, también queremos que el talento literario local llegue a estos escenarios, tal como vimos este año a Cindy Herrera, Teresita Goyeneche o Margarita Robayo. 

Desde el 2005 ha cambiado mucho el panorama de Cartagena, las tensiones causadas por la desigualdad y el racismo estructural se han agudizado. Si bien no se espera que una iniciativa privada se ocupe de resolver los problemas de la ciudad, estoy plenamente convencida de que estos grandes eventos culturales (pensando en el de Música y el de Cine también) sí podrían tener una mayor incidencia en el cambio de narrativa que necesita la ciudad, y para eso sería pertinente trabajar más de la mano con las organizaciones locales que ya están actuando en esa dirección. 

Pensamos que todavía hay un trabajo por hacer en relación a la formación de público, pero la buena noticia es que se puede construir sobre lo construido. La participación de iniciativas como Imagina Cartagena, La Canoa Literaria, Cana Cultura, Cuatro Palabras, El Colegio del Cuerpo, así como la presencia del decano de la facultad de Ciencias Sociales de la Universidad de Cartagena, sus estudiantes y profesores es positiva y debe ser amplificada porque es participando en estos espacios que se pueden derribar los muros desde adentro, como decía Indhira Serrano en su charla en el Hay Joven con Laura Romero, nuestra directora de comunicaciones. 

La charla de Laura e Indhira permitió plantear una de las mayores dificultades a las que se enfrenta una persona racializada ante espacios de poder. Tratando de citar sus palabras, “esa idea de no merecer estar en esos lugares y quedarse afuera, argumentando que está todo bien, que así está mejor, no poder ni si quiera expresar que se siente miedo a entrar a un hotel, una tienda o un restaurante.” A propósito de esta idea recomiendo la lectura del texto de nuestra compañera Kevelyn Ravelo “el cuento de mis órganos de negro”.

Laura le entregó a Indhira la postal de Imagina Cartagena en la que se ve una fotografía tomada por Rafael Bossio en el mercado de Bazurto en mayo de 2020. En ella aparece un grupo de mujeres vendedoras de carbón que durante la pandemia tuvieron que lidiar, no solo con el covid, si no con la orden de cierre y militarización del mercado. 

https://www.instagram.com/p/CoFYbkdDkGh/

La pregunta que propone Laura es sobre ese lugar que hoy en día es presentado como el epicentro de la cultura en Cartagena, ¿qué tipo de lugar es, cómo se vive Bazurto, y cómo lo viven personas como las que están en ese retrato colectivo? 

Traer esa foto y esta historia a este evento Nacional es un intento de remover las entrañas de la cultura en Cartagena. 

La presentación del libro de Teresita Goyeneche Perezbardi superó nuestras expectativas. Se calculaba que habría máximo veinte personas, pero la tarde del 18 de enero llegaron al Museo de Arte Moderno de Cartagena más de cincuenta personas anhelando escuchar y ver a la autora de La Personalidad de los Pelícanos.

La cita era a las 4 pm y justo a esa hora no había luz en la Plaza de San Pedro. La gente llegó temprano y les escuché decir –no importa, lo hacemos aquí, en la entrada, o en la plaza, o en el Baluarte- nadie se quería perder esta oportunidad y el hecho de que no hubiera luz no era un obstáculo para los habitantes de esta ciudad, acostumbrados a convivir con los cortes de energía.  Cada quien cogió su silla y se ubicó cerca de la puerta y justo cuando estábamos por empezar, llegó la luz. De nuevo, cada uno con su silla se trasladó a una de las salas principales del Museo.

Teresita me invitó para que, a nombre de Imagina Cartagena Lab, hiciera con ella la presentación del libro. Esta fue la segunda vez que me sorprendió con su generosidad y reconocimiento. La primera fue encontrar una mención a nuestra iniciativa en la última página de su libro como una luz de esperanza en medio de tanta oscuridad. Los nombres de cada uno de los cuatro socios de Imagina estaban ahí: Laura Romero, Rafael Bossio, Kevelyn Ravelo y yo misma. Celebramos esta mención como si nos hubiéramos ganado un premio.

Normalmente las presentaciones de libros las hacen periodistas, escritores o intelectuales del mundo literario, pero como yo no soy nada de eso si no lectora voraz, le planteé a Teresita y al público que hiciéramos un ejercicio como los que hacemos en nuestros talleres para Pensar con todo el cuerpo. Activar la imaginación y la memoria que evocan los espacios físicos por los que viaja el libro:

Ahora sí estábamos en onda para poder hablar del libro, de Cartagena y de las preguntas que desde niña se hace Tere. Habíamos preparado un cuestionario y una de las cosas que más quería saber era ¿dónde encontraba ella la libertad? porque la metáfora de la personalidad de los pelícanos es una metáfora sobre la libertad, o la ausencia de ella. Su respuesta me encantó:

–Lo que más libre me ha hecho sentir del proceso del libro ha sido la respuesta de los lectores y las lectoras. Es ahí donde he encontrado la libertad. Cuando uno hace un desahogo como este, por más investigado y no-ficción que sea, uno espera que ese desahogo permita conectar con la humanidad de los otros.

Teresita Goyeneche Perezbardi

La conversación fluyó abiertamente, a buen ritmo y gracias a las intervenciones del público, se nos fue volviendo un círculo de palabra con una que otra dosis de mamadera de gallo gracias a los apuntes de Fredi, el papá de Tere. Hablamos de racismo estructural, de la corrupción, del clasismo de la ciudad, de los efectos del turismo, del proceso de escritura del libro, de las debilidades de la democracia en Cartagena.

El encuentro fue sobre todas las cosas una victoria sobre el derrotismo, la frustración y el dolor de la ciudad, fue un canto a la esperanza, a creer que somos capaces de mirar el colapso y levantarnos con más fuerza convirtiendo la rabia en creatividad, en soluciones colectivas, en estrategias donde la inteligencia y la sensibilidad puedan quitarle el poder a la mediocridad y a la ceguera con la que nos hemos acostumbrado a convivir.

Vamos a apropiarnos de la personalidad de los pelícanos, a convertir este libro en canción, baile y celebración.

La última actividad del 2022 en Imagina Cartagena, nos da la pauta para lo que será nuestro trabajo en 2023.

La presencia de Ilex Acción Jurídica en este espacio y en Cartagena es muy importante para conocer las formas en las que actúa el racismo estructural y así mismo los mecanismos que hay para combatir una acción racista desde la ley.

El sistema que impone una lógica racista debe ser atacado y desmontado, un sistema patriarcal, hegemónico, capitalista y lleno de privilegios para unos pocos, que es la raíz de la violencia que viven las personas racializadas cuando las fuerzas del orden oprimen, señalan, hostigan perfilan y persiguen a quienes deberían proteger.

El trabajo en Cartagena es inmenso. El racismo mata.

El conocimiento, la educación, la reflexión y el cuestionamiento a lo que está normalizado se puede hacer desde un espacio como este. Es duro hablar de estas cosas, de violencia policial racista, de jóvenes asesinados por agentes del orden, de procedimientos irregulares, del abuso de poder de la policía. La rabia, la indignación, la impotencia que saca hasta lágrimas por la injusticia de que a una persona la violenten solo por el color de su piel. En el encuentro colectivo, hablando de esto, podemos encontrar formas creativas de tramitar esa rabia y convertirla en acción.

En cada espacio, en la familia, en el trabajo, en la escuela se puede y se debe revisar el tema. No esperar a que pasen cosas atroces para reaccionar. Constantemente vemos en nuestras prácticas cotidianas presencia de violencia simbólica, en el lenguaje verbal y corporal, en las formas de contratación, en las relaciones interpersonales, en las acciones de quienes ostentan el poder. Siempre hay que estar alerta y señalar, nombrar, denunciar.

Agradezco inmensamente este espacio y a contar en mi vida presente con 3 personas que cada día me ayudan, me enseñan, me cuestionan. Gracias Laura Romero, Kevelyn Ravelo, Rafael Bossio.

Termino con una cita del libro Por qué no hablo con blancos sobre racismo, de la periodista inglesa Reni Eddo-Lodge.

“Si sientes que te enciende la sangre ante lo que ves, entonces está en tus manos. No tienes que liderar un movimiento global ni nacional. Puede ser algo tan sencillo como reexaminar las perversas relaciones de poder de tu lugar de trabajo. Puede ser transmitir conocimientos y habilidades a otros que de otro modo no podrían acceder a ellos. Puede ser algo creativo. Puede ser algo informal. Puede ser tu trabajo. No importa lo que sea, mientras sea algo”.